1. 毋庸置疑的必看大展 之 浦东美术馆怎么又是你！1.1 浦东美术馆x法国卢浮宫——“图案的奇迹：卢浮宫印度、伊朗与奥斯曼的艺术杰作” 时间: 2025年12月13日 - 2026年5月6日1.2 非常毕加索：保罗·史密斯的新视角 时间: 2025年12月22日 - 2026年5月3日 2023年为纪念毕加索去世50周年，保罗·史密斯受邀成为了毕加索纪念展览的艺术总监，区别于传统策展人思维，设计师思维有很多跳出框架的创新，比如亮点1：色彩，不拘泥于常见的白盒子展厅，保罗从艺术品中提取出的明亮色彩，他本人就很擅长运用色彩（条状设计尤为突出）亮点2：不仅仅是油画，虽然现在还没看到展览作品清单，但是再23年的展览中还有素描、雕塑、陶瓷、拼贴等毕加索作品，让人看到更多面的毕加索 Fun Facts： 保罗·史密斯曾是专业自行车手 毕加索是第一个活着看到自己的作品在卢浮宫里展示的艺术家。——浦东美术馆同期在展览的卢浮宫展览 毕加索在55岁时，被任命为普拉多博物馆馆长。——浦东美术馆曾做过普拉多博物馆展览 2. 没有最老只有更老一起学历史 之 中外历史展2.1 至扇至美——上海博物馆藏历代扇面书画名品展 时间: 2025年11月14日 - 2026年2月22日 地点： 上海博物馆人民广场馆第一展厅（上海市黄浦区人民大道201号） 展品时代横跨宋、元、明、清、近现代，从宋徽宗一路展到梁启超，通过扇面画这个文人画中的特殊形式作为了解历史切片的窗口，让跨越千年朝代的文化在扇面中“面面相觑”场面一定非常精彩。书画展品一般都非常脆弱，展览条件要求很高，每次看展都当作此生为数不多的见面机会2.2 当归黄浦春-海上中医与健康生活 时间: 2025年11月22日 - 2026年3月1日 地点: 上海市历史博物馆东楼一楼（上海市黄浦区南京西路325号） “上海虽非药材主产地，却因得天独厚的地理位置和水陆交通优势，自19世纪中期以来，逐渐成为全国药材集散地。”策展人王成兰解释2.3 走！喫咖啡去——咖啡文化特展 时间: 2025年10月30日 - 2026年3月1日 地点: 上海市历史博物馆西楼一楼（上海市黄浦区南京西路325号）2.4 罗马 罗马：从奥林匹斯到卡皮托利”古罗马艺术大展 时间: 2025年11月11日 - 2026年5月5日 地点上海世博会博物馆 展览整体从神到人，章节逐步递进，细看的确优美2.5 异趣同辉——清代外销艺术珍品展 时间：2025年12月4日—2026年3月1日 地点：世博会博物馆1号临展厅3. 只可意会不可言传 之 当代艺术展3.1 UCCA尤伦斯当代艺术中心呈现中国当代艺术家杨福东大型个展“香河” 时间: 2025年11月22日 - 2026年5月5日 地点: UCCA尤伦斯当代艺术中心（北京798艺术区） 杨福东1971年出生于北京，第50届威尼斯国际艺术双年展（2003），是21世纪初在世界范围内被关注到的中国当代艺术家之一 本次展览是是杨福东最大个人回顾展；在北京的首个个展 作为展览的核心作品，15频黑白影像装置《香河》（2016-2025）凝聚了杨福东超过二十五年的构思与创作。早在1997年拍摄完首部长片《陌生天堂》后，艺术家便萌生了以家乡为灵感的创作念头。2016年，他带领团队在香河县城与附近村庄辗转拍摄了47天，直至2025年秋才完成后期制作。作品以一位年轻母亲在村中筹备春节庆典的日常情景展开，其间穿插着生老病死的碎片化情节与日常的劳作场景，呈现了北方乡村生活在光影流转下既真实又陌生的面貌：人们在日复一日的劳作中度量时间的流逝，而那些偶然闯入的超现实场景，如同梦境的缝隙，打开了另一重时间维度3.2 龙美术馆年度大展“10——60” 时间: 2025年11月13日 - 2026年2月23日 地点: 龙美术馆（西岸馆）第一/第二展厅（上海市徐汇区龙腾大道3398号） 亮点: 展览精选了近200件全球当代艺术佳作，涵盖出生于20世纪10年代至60年代的艺术家作品，通过“抽象之思”与“具象之途”两大板块，勾勒出横跨半个多世纪的多元艺术图景。精选近500位出生于20世纪10年代至60年代艺术家的代表作，并以“一人一作”的方式收录于同名画册 艺术家包含：路易丝·布尔乔亚、李青萍、金焕基、井上有一、罗伯特·马瑟韦尔、玛利亚·拉斯尼格、皮埃尔·苏拉吉4. 嘉柏丽尔·香奈儿空间开幕 空间信息: 嘉柏丽尔·香奈儿空间（Espace Gabrielle Chanel）是一个融合图书馆、剧场、设计中心、江景休闲平台等功能的文化综合空间 开幕时间: 2025年11月25日 地点：上海当代艺术博物馆（PSA）三楼（上海市黄浦区苗江路678号） 中国首个公共当代艺术与设计图书馆，这座图书馆将为艺术爱好者和专业人士精选艺术、设计、建筑、文化以及社会科学等领域的重要读本和影音资料。其书籍总收藏量为5万册，首期对公众开放1万余册4.1 话题探讨：香奈儿一边开图书馆一边在纽约地铁办秀，奢侈品是否还是有责任营造高逼格造梦，“亲民”如何引发争议？
本期简介：从最近上海老市府的达利个展聊起，为什么这位超现实主义大师每隔几年就会在世界各地“翻红”？他是天才画家，也是营销鼻祖；他是弗洛伊德的信徒，也是“贪财”的疯子。本期节目，我们剥开那撇标志性的两撇胡子，聊聊作为“第一代艺术网红”的萨尔瓦多·达利，以及他身后那个充满争议、金钱与爱欲的超现实世界。🎙️ 本期高光话题I. 为什么总是达利？(Intro) 00:10 上海展览缘起： 从2001年上海美术馆的钟楼，到2015年K11，再到如今老市府的达利个展。达利似乎从未离开过大众视野。 关于“软表”的真相 03:50： 那些融化的钟表（《记忆的永恒》）究竟代表了什么？大众印象： 时间的流逝？达利本人的解释： 灵感竟来自一块在阳光下融化的卡芒贝尔奶酪（Camembert）。他称之为“温柔的、放纵的、孤独的、偏执的卡姆贝尔特的时间和空间”。科学情结： 从弗洛伊德时期的潜意识梦境，到1954年受海森堡量子力学影响创作的《记忆的永恒的崩潰》。II. 胡子、网红与人设 (The Persona) 06:33 IP 的诞生： 达利的那两撇胡子，比他的画更出名。“人们并不需要一个伟大的画家，他们只需要一对漂亮的胡子。” —— 达利 第一代“艺术网红”： 他通过电视节目、广告、夸张的表演，精心打造了“疯狂艺术家”的人设（Persona）。他早在安迪·沃霍尔之前就明白了注意力的价值。III. 奇怪的童年与超现实的起源 09:15 “菀菀类卿”： 父母带5岁的达利去哥哥墓前，告诉他“你是哥哥的转世”。 母亲的离世： 16岁丧母是他人生最大的打击。 偏执-批判法（Paranoiac-critical method）： 他不仅学习弗洛伊德，更用幻觉和联想来重构现实，这使他比布勒东、马格利特等同代人更具颠覆性。 被圈子抛弃： 因为拒绝政治表态且过度拥抱商业，被超现实主义教皇布勒东戏称为 "Avida Dollars"（贪财的达利 / 美金狂）。IV. Gala加拉：缪斯、经理人还是操盘手？15:16 复杂的爱情： Gala 原本是艾吕雅的妻子，却让极度社恐的达利一见钟情。 商业帝国背后的女人： Gala 建立了达利事业的商业结构——谈合同、定价格、甚至建立“奖励机制”（画卖得好才能睡在一起）。达利：“我就是 Gala 的产物。” 晚年的崩塌： 1982年 Gala 去世后，达利的世界随之崩溃，陷入孤独、火灾与遗产纠纷中。V. 晚期达利：天才还是骗局？20:42 商业与艺术的边界：Logo设计： 著名的珍宝珠棒棒糖（Chupa Chups）商标，竟是他在纸巾上画出来的。广告代言： 1968年拍摄 LANVIN 巧克力广告。时尚跨界： 与 Chanel、Schiaparelli 的相爱相杀 23:05 市场争议 30:43： 晚年被指雇人制作伪作，大量版画印刷泛滥（部分版画多达5000份），被批评为“技巧圆熟但艺术保守”。🖼️ 提到的关键作品 《记忆的永恒》 (The Persistence of Memory, 1931)：现藏于 MoMA，融化时钟的经典之作。 《记忆的永恒的崩溃》 (The Disintegration of the Persistence of Memory, 1952-1954)：原子时代的重构。 《抽屉人》 (The Anthropomorphic Cabinet)：以此隐喻弗洛伊德的潜意识秘密。 《达利的胡子》：与其好友哈尔斯曼合作的摄影集。🎬 电影推荐：《坠入》 (The Fall) 34:28 推荐语： 视觉风格极具达利式的超现实感。特技演员与小女孩的故事，在绝望与幻想中交织，色彩与构图令人惊叹。📖 书籍推荐：《达利的骗局》 (Dalí & I: The Surreal Story) 36:23 豆瓣评分： 6.9 简介： 揭开艺术品天价背后的黑幕。作者作为达利晚年的邻居和画商，独家揭秘了达利晚年混乱的商业操作与伪作工厂。“富人们需要炫耀他们的财富，但又要不显得过于粗俗……永远记住世间凡能赚大钱的都免不了要犯罪。”
主题解析 关键词：温柔、自然、静谧、i人天堂、花鸟鱼虫 展览地点：PSA1-3楼为主；嘉源海美术馆——场外展览；野兽派tbh小屋三楼驻留——城市项目；安福路有墙面海报；上海植物园盆景园、上生新所 klee klee & friends 展览时间：2025年11月8日 - 2026年3月31日 主策展人：凯蒂·斯科特（Kitty Scott）展览结构与亮点｜PSA展厅——主场地一楼：影像为主 主视觉悬空花树《森之幻影》，艺术家组合：阿洛拉和卡尔萨迪利亚 影像作品集中，小厅值得逗留，作品可以分为感受类和解读类感受类：胶片滚筒解读类：《基地之侧》，周滔二楼展厅： 可以分为5个大片区 百叶窗装置作品，梁慧圭三楼展厅： 个人推荐：《我有根，但我在漂荡》，胡晓媛观察与讨论 目前网络评价有捧也有踩，总结优点清新自然好看；总结缺点看不懂 圈内评价：一类认为接近电影，水平高但无惊喜；一类认为缺少出圈大佬，担心圈外认可 个人看法：每一届上海双年展，都值得一看，连点成线回忆起更有意思推荐： KOL：老赵看艺术 澎湃新闻：第15届上海双年展开幕：花影之间，无处不在的倾听 推荐去植物园欢迎加入听友群一起讨论，添加微信：NoFakeArt（备注：听友）
欢迎收听不装艺术，Taylor Swift的新歌听了吗？今天想和大家聊聊那个在流行文化里总被提及的女孩 - 奥菲莉亚2:25 - 16世纪莎士比亚笔下的悲剧女子这个角色来自莎士比亚的经典悲剧《哈姆雷特》。奥菲莉亚是一个纯洁天真的贵族女子，她的世界围绕着父亲和爱人哈姆雷特。然而，哈姆雷特因为复仇而变得疯狂，误杀了她的父亲。在巨大的打击下，奥菲莉亚精神失常，最终失足（或主动）溺水身亡3:12 - 19世纪米莱斯所画的《奥菲莉亚》这幅画是英国前拉斐尔派画家约翰·埃弗里特·米莱斯（John Everett Millais）的杰作，创作于1851-1852年的作品，是前拉斐尔派美学的完美体现 什么是“前拉斐尔派” “前拉斐尔派”对传统女性审美的反叛这里想在音频基础上做一些补充，音频中讲到了“前拉斐尔派”是反维多利亚时期传统女性审美的，而其实我们也从一些资料中读到，这类运动的产生也是顺应了维多利亚时期女王当政，女性地位得到一定提升，反的是束身衣、身材曲线这类社会残存的女性审美，反的是学院派的僵化，和学院派对拉斐尔（文艺复兴）的过度崇拜，而不是反维多利亚时期的社会风气 画中模特 - 伊丽莎白·西德尔的悲剧 画中植物的象征含义 柳枝： 代表被遗弃的爱和哀悼 荨麻： 代表痛苦 雏菊： 象征纯真无邪 三色堇： 代表思念 "There's rosemary, that's for remembrance; pray you, love, remember. And there is pansies, that's for thoughts."“这是迷迭香，代表记亿；亲爱的，请你记着。这儿是三色堇，它们代表思念（或思想）。” 罂粟： 象征死亡或永恒的安眠11:17 - 为什么流行歌手都爱“奥菲莉亚”？ Taylor Swift 《The Fate of Ophelia》 Zella Day 《Sweet Ophelia》 魏如萱 《Ophelia》女性自主权、精神健康、爱情的脆弱性以及在社会压力下挣扎的永恒主题，因此变成流行符号，持续与人产生共鸣🎧听友交流/商务合作，欢迎和我们建立联系：NoFakeArt
又到了每月展览预告的时候，上海终于入秋了，祝大家都能享受这个短暂的季节！虽说是展讯，这个月的艺术活动却不仅仅有展览，还有上海艺术周，本期我们将围绕这一艺术盛会展开聊聊。开胃菜 1:07 最接地气的展览：上海市群众艺术馆《上海什锦：陆元敏彩色摄影展》展期：10月1日-11月9日喜欢陆元敏的理由：《苏州河》《上海人》系列中观察上海这座城市的眼光很温柔，特别擅长捕捉日常生活的独特美想看展览的理由：彩色照片过往展出较少近期展览：Fuji的X-Space《上海人》系列还是黑白为主的照片最初印象：《繁花》2013年展览 3:27 还想去的摄影展：多伦现代美术馆《重新发现时间-第二届中国当代影像艺术年鉴展》展期：2025年11月9日-2026年3月22日看点：文献类大群展，展出2024年公开展览和发表的作品，对于了解艺术历史有极大的帮助免费，免预约，常年致力于梳理中国当代艺术与影像艺术历史上海历史建筑里的展览 4:29 最难约的展览：上海海关大楼新展《2025上海城市空间艺术季黄浦展区：外滩光年 时空回响》展期：9月29日-11月28日工作日：18点-21点周末/节假日：10点-21点（20点半开始停止入场）该展属于2025上海城市空间艺术季（简称SUSAS）黄浦展区，是海关大楼百年来首次免费对公众开放，需要关注【黄浦规划资源】公众号，通过菜单栏预约。每天早上10点放出新一天的名额，但是连续两天我都没约上，错过几分钟就没有了。展期内每位观众最多预约两次。看点：神秘的海关大楼建筑本身和内部装修陈列等，包含马赛克铺设的八角斗拱穹顶，XR沉浸式体验，上海海关大楼（澎湃艺术）：1927年，上海海关大楼正式落成，该建筑总面积约32680㎡，由英国公和洋行设计，整体呈现希腊式新古典主义风格，三段式序列结构挺拔庄重。大楼总高约79.2米，建成时是亚洲第一高钟楼，至今仍是外滩最高的建筑之一。1928年元月，外滩海关大钟响起，与英国伦敦大本钟、莫斯科红场的钟并称为“世界三大钟”。 7:11 最好奇的展览：外滩老市府《达利×老市府：启程》展期：2025年11月11日-2026年3月10日超现实主义大师萨尔瓦多·达利149件真迹看点1：类目全——涵盖雕塑、版画、珠宝、琉璃、金饰、家具与服装等多个类别看点2：重点包括《时间之舞 I（就是最为大家所知的扭曲的时钟）》《背负时间的马》等城市级户外雕塑，以及《爱丽丝梦游仙境》《燃烧的女人》等代表作看点3：老市府建筑本身1922年完工，2024年重新开放；曾被誉为“远东第一围合式建筑”好奇在这么特殊的建筑中，展览会呈现什么样的达利目前早鸟票已经开票，早鸟单人票78元、早鸟双人票125元。回溯：最近一次看到达利的作品是2022年在震旦博物馆的《洛克菲勒艺术基金收藏展：西方艺术大师》包含毕加索、达利、莫迪里阿尼、莫兰迪和阿尔曼。是洛克菲勒艺术基金会首次于上海的正式合作展。争议：对他和妻子加拉的感情印象深刻：达利对加拉一见钟情，相识时他的妻子还是别人的太太，且比他大10岁。即使如此两人仍相伴50年，且有大量以妻子为灵感缪斯的作品，达利也被称为艺术界的“宠妻狂魔”。老市府：始建于1914年，1922年完工，曾被誉为“远东第一围合式建筑”。 最初是上海公共租界的最高市政机构——工部局的办公总部。1949年，上海市人民政府在此成立，并升起上海第一面五星红旗；1956年市政府搬离，大楼改称“老市府大楼”。改造项目最大的亮点在于弥补了建筑百年前的缺憾，完成了最初设计蓝图中的围合式愿景，创造了一个独一无二的中庭院落。保护性改造方案由普利兹克建筑奖得主、英国建筑师戴卫·奇普菲尔德领衔设计。设计融合了历史悠久的“红楼”与新建的“新市府礼堂”，在保留历史风貌的同时，重塑了建筑功能。改造后的“外滩·老市府”将实现“重现风貌、重塑功能”的目标，引入高端企业办公、品牌商业和文化艺术活动，成为外滩新的地标。 13:46 最推荐的展览：PSA《没什么好玩的！——林天苗个展》展期：2025年9月30日-2026年1月4日看点1：中国女性当代艺术家的一面旗帜可能是目前最全面的回顾个展，对于了解一位艺术家特别重要看点2：擅长使用各种柔性材料，尤其是以缠绕、编织、缝合，最初印象深刻的作品是巨大的写字地毯《凸起的文样》这次展出并没有看到，但是看到了许多她全新的作品，女性在柔软中透露坚强的特质明显看点3：互动装置，小房间里感受自己的心跳脉冲，尽量不剧透太多，但我第一次对心跳有了全新的感受17:44 上海艺术周 最期待的展览：PSA第十五届上海双年展展期：2025年11月8日-2026年3月31日主策展人：凯蒂·斯科特展览规模：近1万平米，67位/组艺术家，来自五大洲、24个国家，全球300件作品本届主题：如何与他人甚至人类以外的世界相处梗：标题中的蜜蜂身上数字是13，组成的字幕B，谐音蜜蜂Bee，纪念PSA成立13年，并融入到双年展中。上双历史：始创于1996年，是中国大陆第一个国际当代艺术双年展，也是亚洲影响力最大的双年展之一。2012年之前在老上海美术馆举办，也就是如今的上海历史博物馆。在世纪之交，成为了中国当代艺术与世界交流的重要舞台。2012年开始在PSA大烟囱举办。上一届2023年主题“宇宙电影”什么是双年展：双年展是一种每两年举办一次的国际性当代艺术展览，通常被视为展示全球艺术前沿动态的重要平台。 它类似于体育界的奥林匹克，是推广艺术成就、促进文化交流的重要活动。 意大利的威尼斯双年展被认为是最重要和最著名的双年展之一。可以把双年展理解为时装周。艺术界顶流盛事：（德国）卡塞尔文献展：五年（意大利）威尼斯双年展：两年（德国）明斯特雕塑展：十年（瑞士、美国迈阿密、中国香港、法国巴黎）巴塞尔艺博会：每年多次 11月初上海艺术周：每年一办，近期是展览淡季，艺术旺季ART021上海廿一当代艺术博览会（2025年11月13日至16日，上海展览中心）西岸艺博会 （2025年11月13日至16日， 西岸艺术中心）
欢迎收听本期“不装艺术”今天的节目中，我们将回顾本次卢浮宫上演的“惊天魔盗团”事件，我们对这些被盗精美珠宝背后的历史人物故事进行了梳理，同时还会聊一聊世界其他大型博物馆机构中曾经发生过的偷盗事件本期节目内容：01:12 事件整体回顾补充案件最近进度：节目录制完后，得知此次事件的偷贼已被抓获（盗贼居然还是在很意料之中地出现在了戴高乐机场），然而8件珠宝暂未追回05:39 被盗珠宝的故事官方确认被盗珠宝为 8 件，但有资料显示窃贼曾计划或尝试带走 9 件，其中一件在逃离现场被丢弃或损毁。以下是人物关系图： 奥尔坦斯王后（Hortense de Beauharnais，1783–1837）与玛丽-阿梅莉王后（Marie-Amélie de Bourbon-Siciles，1782–1866）：蓝宝石冠冕、蓝宝石项链、蓝宝石耳环 套件 欧仁妮王后（Eugénie de Montijo，1826–1920）：王后冠冕（已找回）、珍珠冠冕、蝴蝶结流苏胸针、圣物胸针Westminster 公爵女兒為 Lady Lettice Grosvenor 的婚禮時購入，並在拍攝時以胸針配上婚紗並拍下婚照。（1902年） 玛丽-路易丝王后（Marie-Louise d’Autriche，1791–1847）：祖母绿项链、祖母绿耳环 套件12:35 其他文物被盗事件 卢浮宫1911年蒙娜丽莎被盗事件 大英博物馆2000件文物被盗事件 费城巡展醉汉掰断兵马俑手指事件17:42 电影推荐 瞒天过海 Ocean's 8 惊天魔盗团3 （近期上映）
今天这期节目灵感来源于浦东美术馆《时代逸飞：陈逸飞回顾展》，但今天这期节目不是展评，而是一期我们个人对于陈逸飞，这位所为人熟知的近现代艺术家的回顾，通过这期节目， 你可以了解到陈逸飞生平、跨界成就、艺术风格等客观信息，也可以参与到我们对他身上争议性的主观探讨。 陈逸飞早年经历、阶段性艺术风格与重要作品 00:58 晚年视觉艺术跨界 10:44 探讨：陈逸飞身上的争议 1）本次展览的争议 18:15 2）艺术生涯关于“商业化”的争议 22:00所提及的部分重要作品：《开路先锋》（1972年）《占领总统府》（原作1977年，陈逸飞、魏景山）《踱步》（1979年）《双桥》（1984年）《周庄》（1988年）《长笛手》（1987年）《玉堂春暖》《绿绿的草原》（1996年，于西藏）上海浦东地标：东方之光上海五角场地标：上海科技之门《青年视觉》杂质
今天聊的展览又是一个宝藏展览，在10月展讯那期也有过简单介绍，是2025年7月15日到10月23日在苏州博物馆西馆3楼特展厅内举办的《从拙政园到莫奈花园》。这次展览规模很大 联合了国内外14家机构，像故宫、国博、芝加哥艺术博物馆这种级别的都在名单里。 展品总数160余件，种类超丰富：诗文书画、古器文玩、西洋艺术都有。 其中63件是国家一级文物或境外重要借展，规格很高。“明星单品”是莫奈的《睡莲》和《睡莲池》，但更大的亮点其实是国宝“满汉全席”。策展思路 这种中外对照的策展方式，跟几年前上海博物馆的《对话达•芬奇——文艺复兴与东方美学艺术特展》，有点像，观众可能是冲着达芬奇去的，这次应该也有不少观众是冲着莫奈的睡莲而来。但策展方式不太一样：上博是把东西方的作品交错着展示，苏博则是前四章重点放中国的珍品，最后一章再切换到世界范围的花园艺术。前者更强调对话；后者更注重各个章节的独立完整性。彼此都很符合各自的展览标题。4:39 第一单元：逍遥/隐士的精神内核 一走进展览，首先映入眼帘的，是清代书画大家吴昌硕在1913年，也就是他七十岁时写下的《逍遥游》。这是一幅小篆书法，笔势苍劲有力，明明是软笔，却写出了石刻般的坚硬感。有趣的是，这幅字当年并不是纯粹的书法作品，而是为常熟一处园林题的额匾。那座园林当初的名字，正是取自庄子的《逍遥游》，相传康熙年间是文人严熊（字武伯，号白云）的书房名被沿用，现在是虞山公园，江浙沪一代比较热门的徒步线路，古人眼里能承载“逍遥游”精神的园林，如今在现实里依然存在，去此地徒步或许能亲身感受到文人理想和自然风景之间的呼应。本单元另一件重要的作品就是元代著名书法家赵孟頫临摹的王羲之《行书临兰亭序》卷，共324字，王羲之原件自唐代后遗失，幸亏历代书法家临摹传承。王羲之的《兰亭序》被后人不断念叨，不仅因为书法之美本身，更因为背后承载了文人“隐士精神”的理想。王羲之在会稽山兰亭和朋友们饮酒、写诗，借着自然山水，把“仕途之外”的逍遥精神书写下来。而赵孟頫的厉害之处在于，他作为南宋皇族后裔，身处元代，既是饱学的文人，也是仕途显赫的官员，在“古意”基础上带有自己洒脱的风格。展览介绍中还有明朝文人对“兰亭”的描绘，我觉得它已经变成了古代文人的一种“理想国”象征。7:54 第二单元&第三单元：拙政园和文氏家族 这个单元令人印象最深的是与我们当今文化有关系的是两大信息，一来是四大才子、二来则是拙政园。许多人通过早年香港电影得知，江南四大才子有唐寅（唐伯虎）、祝允明（祝枝山）、文徵明和徐禎卿。可惜他们的生平却不如电影那样潇洒欢喜。最有名的唐伯虎，相传科考被栽赃作弊之后，失去做官机会，人生逐渐潦倒，靠卖字画为生；时不时叫上好友去喝花酒，据说只有文徴明明面拒绝。本单元展览中的唐伯虎《吴门避暑诗》却完全不见颓废姿态，颇有一些朝气，猜想是否避暑度假使人愉快不少。文徵明与拙政园第一任主人王献臣私交颇深，他后世家人也与拙政园有些渊源。他自己就曾为拙政园描绘《拙政园图咏》包含31幅图文，现在是研究明朝拙政园设计样貌的重要资料。而本次展出的他的曾孙文震亨的《唐人诗意图》真是绝美，不愧是故宫馆藏。像明代文人是给唐诗配图，寄托了许多自己对美好生活的想象。这个单元里还有部分他们文家族谱，很有意思。展览中也有文徵明《王氏拙政园记拓本》。而在第三单元里，就能见到文徵明玄孙女，文俶（chu第四声）的《花卉图》，见到女性文人留下的稀少作品总令我感到欣喜。作为明清女性文人，她的花鸟山石小虫都特别精彩，不太像深闺作品，后人评价极高。而关于她的生平能查到的资料很少，只知道她婚后就跟丈夫隐居寒山了。这两个章节里前后出现了文家好几代人，很令人感慨苏州这个地方多么养人，前后百来年，都不间断对园林花鸟的喜爱。这个单元还有文徴明和家族后裔的部分家谱。回想他拒绝唐伯虎喝花酒的传闻，我居然感觉到洁身自爱的重要性，感觉他们家风很正。12:50 第四单元：园林生活雅趣这个单元中最让我喜爱的是仇英的《贵妃晓妆图》选自他的《人物故事图》册。画面中室外海棠花树边女子赏花、浇灌、持扇；室内描绘了杨贵妃晨起梳妆的场景，有人为她捧着镜子，有人为她奏乐，右边还有一位仕女为她逗小狗，一派趣味景象。看似平面的画面中，通过室内室外、亭台楼阁，划分了前中后三种景别，很有纵深感和故事性。展现了明朝文人对唐代宫廷庭院生活的理解。关于仇英的生平资料并不多，只知道年少时曾经做过繪工漆匠，临摹细致入微。后来被文徵明推荐给苏州文人圈子，晚年与文徵明、唐寅、沈周，并称明四家，又称吴门四家。第五单元：世界园林展览最终章节颇有一番走向世界的景象，中间还得经过一道人造桥梁布景。这个章节里有伊朗的诗集、意大利园林中的青铜雕塑、日本的浮世绘，以及众星捧月的莫奈的睡莲。其中歌川广重的《名所江户百景》描绘的紫藤花和桥梁庄园景象和莫奈1900年的《睡莲池》中的桥梁又有一种东西方呼应的微妙感觉。据说睡莲池中的这座桥就被称作日本桥，而且画中的景象就是莫奈自己精心营造的花园。以前只知道他是伟大的画家，现在觉得他还是个乐在其中的布景师和园艺爱好者。旁边莫奈1906年的《睡莲》则更聚焦于池水和花卉本身，这里更多了一分写意的感觉。其实1903年之后他对睡莲的主题就逐渐开始进行实验性的绘画。这一时期他患有眼疾，看不真切时反而更塑造出了一种意境之美。引用背景音乐：https://www.bilibili.com/video/BV1Hj411U7Rz/?spm_id_from=333.788.videopod.sections&vd_source=08d1f9ca20bb699e2f0032a7a9e591d6
大家好，欢迎收听本期“不装艺术”。奥赛展中的四张大海报最近在网上上刷到好多关于奥赛展的笔记，大家不仅在拍照打卡，还会认真写下自己的解读，有的从作品细节出发，有的联系到艺术家的生平，甚至延伸到整个十九世纪的社会背景。看得出来，这个展览被大家读得很深、很广。所以在今天这期节目里，也是最后一期关于本次奥赛展的播客中，也想接着这个思路，从展览的四张主海报作品聊起，看看它们是怎么代表这次奥赛展的核心。从这张浦东美术馆一楼大厅的照片海报中从左到右分别是： 《拾穗者》让-弗朗索瓦·米勒，1857 《塔希提的女人》，又名《沙滩上》，保罗·高更，1891 《梵高在阿尔勒的卧室》，文森特·梵高，1889 《钢琴前的女孩》 ，奥古斯特·雷诺阿，18921:20 拾穗者《拾穗者》画的是三位农村妇女，在收割过后的田地里弯腰捡麦穗。她们的动作很吃力，而画面远处，却是已经堆成小山的麦垛和马车，那些是地主的收成。眼前这三个人，只能在土地上一点点找遗漏的麦穗，这几乎就是她们辛苦生活的写照。在19世纪的法国，这样的画题材可不是市场上最吃香的。买得起画的人，大多更喜欢宏大的历史画，或者浪漫的风景，谁愿意把农民的辛劳和贫困挂在客厅呢？但米勒偏偏把最底层的人放到了画布中央，用这种方式告诉我们：他们的劳动和尊严，同样值得被看见。这也是为什么米勒的作品，常常被说是“给农民立传”。而在艺术史的长河里，《拾穗者》就像一个分界点。因为从这里开始，艺术的视角慢慢从“歌颂伟大”转向“关注日常”。印象派画家虽然更沉迷光影和生活的轻盈感，但他们延续了米勒的观念：普通人和普通生活，本身就是艺术主题。再往后，梵高在法国乡间生活时，更是深受米勒启发，他还临摹过米勒的作品。《吃土豆的人》里，那种厚重却真挚的农民形象，就能看到米勒的影子。所以今天我们再看《拾穗者》，并不是因为它是一幅重要的描绘农民的画，而是因为它标志着一个信号：艺术不再只歌颂英雄和历史，而是开始认真看待普通人的真实生活。4:01 塔希提的女人说到高更和塔希提，其实我很喜欢艺术科普账号“小顾聊绘画”的up主“顾爷”对他中年危机的思考。（原视频内容会放在延展推荐中）想象一下，1882年34岁的巴黎证券交易人高更在股灾后破产，辗转开始成为画家。1891 年的高更已经 43 岁了，有老婆有五个孩子，虽然在巴黎画坛已经有一定地位，但高更可能觉得还得追求自己的原创性，于是有了一次远离欧洲的机会，他就突然把家人甩在法国，自己跑去了大溪地。其实这里的中年危机我和顾爷理解不同，并不觉得是中年不得志逃跑，而是中年想得志的某种追求。不过心理活动这一点也很难跟高更本人求证了。这幅《塔希提的女人》，就是他第一次在大溪地画的。画里有两个女人，一个穿着传统腰布，一个披着传教士的洋装。她们坐在沙滩上，不说话，不看观众，带着点神秘的忧郁。即使遥远如塔希提，现实也早已被殖民文化所改变，但在绘画中高更还是展开了自己对异域文化的浪漫想象。他还是坚持用明快的色块、装饰化的构图，把这些女性画得像象征性的存在，不是具体的肖像。有人说，他画的并不是大溪地的真实，而是他心里一种反叛现代文明的想象乌托邦。从艺术史的角度看，这幅作品很重要。他是从一种写实走向装饰主义和象征主义的过渡者，这种“合成主义”（synthetism）后来影响了野兽派、现代主义的色块表现方式。其实提到塔希提，高更去世后30年左右，1930年代马蒂斯也去过两个月，作为他环游美国、古巴、日本、南太平洋的行程之一。和高更那种‘彻底放逐文明’不同，马蒂斯更有些寻找灵感的意思。那又是别的故事啦，希望以后有机会聊聊马蒂斯。【延展推荐】顾爷聊高更中年危机原始视频：www.bilibili.com8:46 梵高在阿尔勒的卧室梵高的《卧室》成为主海报之一并不令人意外，毕竟梵高这个名字的出现就很容易成为展览C位。这幅作品画面看似简单——一间小屋子，蓝色的墙壁，木床，桌椅，几幅画挂在墙上，窗外有一点绿。没有人物，但色彩非常强烈，黄、蓝、红撞在一起，空间有点歪歪斜斜。如作品标题揭示的，这是梵高在阿尔勒“黄房子”里的卧室。1888年，他搬到法国南部，憧憬着在那里建立一个“艺术家共同体”。这幅画就是他对“安定生活”的一种想象和记录。在梵高动荡的一生里，卧室其实意味着一种奢侈。他经常漂泊、经济拮据，甚至住过医院。而在阿尔勒，他第一次有了一个自己布置的小屋，所以特别想把它画下来，传达出一种平静、安宁的感觉。他甚至在写给弟弟提奥的信里说，这幅画里的色彩搭配，就是为了让人看着安心、休息。其实并不难发现画面并不是真的那么平静。空间的透视是歪的，椅子有点不稳，床也似乎倾斜，好像随时要把你“推”出来。这种不稳定感，或许传递出了这位以真诚热情闻名的艺术家的内心世界：渴望安宁，却很难得到真正的平静。而后他与高更的激烈故事我们前面也讲过。顺便说一下，这幅画梵高其实画了三遍。第一幅创作于1888年9月刚租下房子时；第二幅稍显阴郁，相传创作于和高更爆发争吵之后，并送给了弟弟提奥；第三幅就是本次在上海展出的版本，这幅是给母亲的礼物，被妹妹保留下来了。《卧室》不仅是他自己的“精神避风港”，还是他想与家人分享的一份“安宁的幻梦”。所以，我们今天看这幅画时，也许能感受到一种特别的反差：画家在混乱的人生中，用强烈的色彩和斜斜的空间，努力为自己造出一个心灵的栖所。11:44 钢琴前的女孩我们来看雷诺阿的《钢琴前的女孩》。画面里有两个小女孩，一个穿着蓝色腰带的白裙子坐在钢琴前演奏，另一个穿着粉红色连衣裙站在旁边，一起认真研究曲谱。整个场景非常温暖宁静，仿佛空气里都弥漫着钢琴声，让人一下子就能感受到家庭生活的柔和氛围。其实，这样的场景和当时巴黎的社会背景有关系。19世纪末，中产阶级在巴黎逐渐兴起，工业革命的技术进步让钢琴也走入更多家庭。钢琴不仅是家里品味的象征，也意味着孩子受过教育、仪态得体——可以说是中产家庭的“必备单品”。这幅画最初是一个政府订单，用于当年刚成立的卢森堡博物馆，官方希望收藏当时在世的艺术家作品，这也是印象派第一次得到官方肯定。雷诺阿这幅画也有几个版本：本次展出的是奥赛博物馆收藏的版本，另外还有纽约大都会艺术博物馆的版本，以及一些私人收藏的版本。此外，还有油画和粉彩素描散落在不同地方，展示了雷诺阿对这一主题的探索。《钢琴前的女孩》创作于1892年，当时雷诺阿已近50岁，并且患上了类风湿关节炎，但他仍然坚持描绘生活中的美好瞬间。画面里柔和的色调、细腻的笔触，以及他对女孩们神态的捕捉，都体现了雷诺阿晚期典型的印象派风格。他不仅关注光与色的变化，也关注人物的内在情感，把平凡的家庭场景变得生动而有感染力。这幅作品不仅是雷诺阿艺术生涯的重要组成部分，也为我们提供了了解19世纪巴黎上层社会生活的窗口。它展现了那个时代人们对音乐、家庭和美好生活的追求。从米勒的《拾穗者》，看到了农民劳动的真实和生活的沉重；到高更的《塔希提的女人》，感受到了异域风情和色彩的自由想象；梵高的《阿尔勒的卧室》让我们走进了他个人的小世界，看到他的情感和生活气息；最后是雷诺阿的《钢琴前的女孩》，温暖又宁静，让看到生活的美好。他们都从完全不同的视角出发，观察了这个世界的不同维度。希望看展的过程也能拓展我们观察世界的维度。这是我们“解码奥赛展”系列的最后一期节目，希望大家收听愉快，未来将持续带来更多展览解读和艺术圈故事，请订阅我们频道，让我们一起“凑凑热闹，看看门道”！
今天一起来聊聊西岸美术馆近期刚刚开展的“偶然！激浪派！”。背景介绍 2:02 国内首个“激浪派”展览 激浪派（Fluxus）是个艺术运动，而非艺术流派，发生于1960年代，起源于美国纽约，后来向欧洲蔓延。 激浪派的核心发起人是乔治·麦素纳斯，最初是平面设计师，但更像个“万事通艺术家”——搞展览、做表演、玩装置，把音乐、日常物品都变成艺术。说到名字，Fluxus在拉丁语里是“流动”的意思（据说这个词真的是点字典点出来的），他希望这个运动像水一样自由，不受形式限制。实验、参与、跨界，艺术不再只是固定展品，而是一种过程、一场事件，带着反叛和幽默感。 达达是激浪派的历史前辈，精神上有继承又有差异。激浪派与达达的关联与区别：达达：一战时期，愤怒、虚无、反理性，像喊“世界都崩了，艺术还有意义吗？”激浪派：60年代消费社会，轻松、实验、参与感强，艺术要流动，要融入生活。共同点是，都爱搞事情，都反艺术、反权威；后者也有致敬学习前者的意思，所以很容易放在一起说。达达时期的照片作为展览第一章节拉开序幕： 曼·雷《达达团体》,1922年黄永砯的厦门达达时期烧作品的作品也是一种呼应：烧毁之前还专门裁切了一些25*25厘米的作品，烧毁也有照片 最后走向：两个都反对体制，想把艺术拉下神坛，但讽刺的是，最后都进了美术馆和市场。讽刺体制的艺术却得到了编制。激浪派-浪点1）跨界 9:38 虽然不是流派只是运动，但有一些公认的重要代表人物色盲平面设计师，乔治·麦素纳斯（George Maciunas）：组织者和核心发起人，算是“总导演”，作品平面设计形式感很强字体设计的部分做的真的很好，让激浪派一下就有了自己的视觉语言 歌手、和平活动家、多媒体艺术家，小野洋子（Yoko Ono）：她的观念和行为作品很有代表性，常带着观众直接参与。最为人熟知的身份应该是约翰列弄的妻子 先锋派古典音乐作曲家、几率音乐和电子音乐的先驱、蘑菇专家，约翰·凯奇（John Cage）：实验音乐作曲家，对“偶然性”“日常声音即音乐”的理念影响了整个激浪派；代表作4分33秒；本次展览中一整个【第八章节：保持沉默】是致敬他的；激浪派的另一位艺术家也致敬过他，就是白南准（Nam June Paik）：后来被称为“录像艺术之父”，把电视机、电子媒介拉进艺术场景 飞行员、雕塑家、政治家、活动家、艺术家，约瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys）：德国艺术家，用行为和观念挑战艺术边界；在卡塞尔文献展种植了7000棵树总体特点：背景很杂，有音乐家、诗人、设计师、表演者，但在激浪派里都强调“艺术即生活，人人都能参与”。2）盒子与国际象棋 14:52 盒子：在展览里，你会看到不少激浪派艺术家的‘盒子’作品。其实，这背后都能追溯到杜尚的启发。杜尚曾经把自己的作品缩小、收纳到小小的手提箱里，这就是他著名的‘盒子艺术’。它挑战了艺术只能在美术馆里、以独一无二的形式存在的观念。而激浪派延续了这种想法，把日常物品、声音、行动，甚至一场小游戏都装进盒子里，让艺术成为可以被携带、被参与的体验。XY's pick：布莱希特《利希滕斯坦之手》，票据收集神器，求出衍生品Lulu's pick：乔治·麦素纳斯的《激浪新年》，原因很奇葩，因为外面的花纹跟我喜欢的动漫《鬼灭之刃》里祢豆子的和服花纹类似，觉得亲切 国际象棋：这个章节给我一种，点名致敬杜尚的感觉，因为说到杜尚，大家可能知道他是先锋艺术的代表人物，但有趣的是，他还是一位法国国际象棋选手，曾经代表法国参加国际象棋奥林匹克赛。杜尚常说，自己宁愿被记住为棋手而不是艺术家。对他来说，下棋和做艺术一样，都是在挑战规则、探索可能性。 展览的这些异形国际象棋套装，也是艺术、设计、游戏结合的典范。3）中国艺术家 20:19 再次怀念耿建翌：穿衣、行走、拍手，都可以做出分解动作，每个动作都可以是艺术表达。这个理念放在激浪派展览中的确异常合适。 他去世后曾在PSA被友人怀念举办大型回顾个展，非常精彩，可以看出是一个洞察力很强，又很有幽默感的艺术家（之前展览中有个作品是付费委托他人去上海替他旅游，他报销全程费用，让对方写信寄照片回来，就当做自己去过了，旅游也可以替游真是发明）。在激浪派展览中我最喜欢他的作品是：《落笔》2005年，仔细看他的的印章，用“文人画盖章”的形式，盖上了非常当代的章，又有一种猪肉盖章可放心使用的错觉 挖掘宝藏尹秀珍：中国女性艺术家，她触及的社会议题很多。本次展览中的作品1995年的《洗河》就跟环保有关，很容易让人联想到不久前在环保上翻车的《升龙》。也让人值得反思，虽然激浪派说万事皆可艺术，但是不是艺术真的完全没有边界？1995年夏天，她参与艺术节过程中，以唐代诗人刘禹锡歌颂的府南河，在当时遭受了严重污染为母题。抽取这条沦为全国污染最严重的水系之一的河水制作成10立方米的大冰块，邀请路人洗刷冰块。最后冰块消融，只留下了四张照片。展览主观点评 26:05仅代表个人观点，总结一句话就是，请带着“玩”的态度参与这个展览，祝大家“玩”得开心！
一集带你逛遍上海&周边近期宝藏展览，展览看点+行程安排推荐，国庆出游规划必听！【最值得期待新展】1:45 偶然！激浪派！（西岸美术馆）【City Walk推荐】4:48 迪奥小姐展览 芳踪絮语（复兴艺术中心） 意象 — 中国西南少数民族服饰审美及其当代重塑 （上海市历史博物馆）【国风一日游】10:22 露华浓深——大唐生活美学展 （上海市奉贤区博物馆） 从拙政园到莫奈花园（苏州博物馆 西馆）【上海大展】13:05 缔造现代： 来自巴黎奥赛博物馆的艺术瑰宝（浦东美术馆） 时代逸飞：陈逸飞回顾展（浦东美术馆） 上海现代 （中华艺术宫）重点介绍 14:33 希腊人：从阿伽门农到亚历山大（世博会博物馆）
大家好，欢迎收听本期“不装艺术”。这是一档全新的播客节目，旨在通过短节目形式，带你看看人文艺术，凑凑热闹，看看门道。转眼间奥赛展的展期已经快过半了，很多听众可能已经刷过一遍展览，那从这一期开始我们想从展览宏观视角和历史背景进入到展览细节和带有我们个人看展视角的讨论，也推荐大家二刷前收听我们这期节目，本期我们的主题就是想以‘女性’为线索来看看本次奥赛展，将从以下三个角度展开： 女性艺术家【玛丽·巴什基尔采夫】作品《一次碰面》 女性在亲密关系中作为被描绘的对象《塞尚夫人肖像》 女性群像《佩列蒂埃街歌剧院的舞蹈教室》1:10 女性作为艺术家 —— 玛丽·巴什基尔采夫 作品《一次碰面》在展厅刚看到这幅画的时候，我一下子就被它抓住了。画里孩子们的神态特别生动，让我立刻联想到《汤姆索亚历险记》——虽然画面和那本书并没有什么直接关系，但这种调皮、灵动、带点故事感的氛围，就很像小说里随时会发生点什么的小场景。作品的英文名字叫 A Meeting，如果直接翻译就是‘一次碰面’，但这个英文名字听上去更有点幽默，好像在提醒我们：别小看孩子们的聚会，它们同样可以是重要而严肃的会议。本次展览的小程序语音导览文案我认为也非常优秀，不仅指出了这幅作品延续了自然主义这样的学术信息，也通过衣着、木栅栏、套衫这些细节透露出男孩们平民学生的身份，还提醒了观众看向画面右侧背对画面的小女孩细节，讨论了艺术家对女孩受教育权利的关注，让观众看到这个社会议题视角。这幅作品的创作时间、沙龙展出时间同为1884年，艺术家本人也于这一年因肺结核去世，时年仅25岁。关于艺术家：玛丽·巴什基尔采夫注意到这个名字的时候，我十分惊喜地意识到这是一位女性艺术家的作品，而后回家做调研的时候发现，她是本次展览中唯一的女性艺术家，更是钦佩她在那个年代受教育且能画这么好是多么难能可贵的一件事。她十几岁的时候就随家人定居在巴黎，后来进入朱利安学院学习绘画——那是当时少数愿意接收女性学生的艺术学院。Self-portrait with palette，Marie Bashkirtseff，1880代表作：在她短暂的一生中，比较有代表性的两幅画，一幅是奥赛展中的《一次碰面》，另一幅则是“In the Studio（工作室中）”，描绘了一群受教育的女性在画室中对模特练习绘画的场景，在19世纪画出这样的有些理想主义的场面，还是挺令人动容的。In the Studio，Marie Bashkirtseff，1881艺术家日记：除了画画，13岁左右她就开始写日记，而且写得非常细致。她记录了自己的成长、学习、交友，甚至是对艺术圈的观察。这些日记后来被出版，成了19世纪女性艺术家生活的珍贵见证。她曾在日记里写道“If I do not die young I hope to live as great artist; but if I die young, I intend to have my journal, which cannot fail to be interesting, published.”大意是，如果自己不算早逝，就想以一名伟大的艺术家身份活下去；可要是真走得早，那就把日记出版吧，因为这本日记本身就够有趣了。她的日记中还有很多非常有趣的句子，她的日记在亚马逊网站查到的封面上可以看到分上下两卷，而上下卷的标题都极具代表性，上卷说自己是史上最有趣的书（还有个故意打错的字母R）下卷则赤诚地展示了自己对成功的渴望。有时间的话我应该真的会把这两本书的英文版找出来看一下。我对这种有趣、中二又热血的文字，真的毫无抵抗力。这种英文的使用习惯和性格，也跟这幅画的“A Meeting”有异曲同工之妙，把一种微妙的“野心”置于对比的幽默感中。在查资料的过程中，其实很受这种生命力美感和韧性的感召，真的是越查越欢喜。9:09 女性在亲密关系中作为被描绘的对象 —— 《塞尚夫人》《塞尚夫人肖像》，保罗·塞尚，1885-1890，布面油画关于这幅画的资料非常有限，其实塞尚有29幅描绘自己夫人的作品。她的姓名是霍坦丝·菲凯特（Hortense Fiquet）。纽约大都会艺术博物馆在2014-2015年还曾以“塞尚夫人”作为展览名并出版画册，汇聚了其中25幅作品，系统性地探讨霍坦丝与塞尚之间跨越二十余年的复杂创作关系——尽管相对于塞尚的其他更知名的作品，这段关系被艺术史忽视，她却是画家最频繁描绘的模特之一。两人在巴黎街头相遇时，霍坦丝是一名装订工。这段关系最初被秘密维系，塞尚为躲避家族的反对，不公开承认这段关系。他们曾同居过很长一段时间，1872年诞下独生子，两人在一起17年后才举行婚礼。相传他们婚后仍长期分居。虽然塞尚为霍坦丝创作了至多 29 幅油画肖像及更多素描，但他们在家庭日常中的联系几乎无文献记载，加上缺乏直接书信往来，使得这份关系更显神秘。本次展出中的这幅“塞尚夫人”单人肖像显得宁静温和，也有一些严肃的距离感。在稳定的三角结构肖像构图中，有一种深邃且引人遐想的看向远方的眼神。12:48 女性群像 —— 德加笔下的芭蕾舞少女们画面描述了芭蕾舞教室排练的场景，是德加最具有代表性的芭蕾舞女题材绘画，据说德加一生中有一半以上的作品都与芭蕾舞有关，他在艺术史上的名声也与这个题材产生了深度绑定。他对舞者动态的捕捉，使他成为19世纪最早研究舞蹈动作的艺术家之一。他通过观察舞者在排练和后台的动作，展现了芭蕾舞女的真实状态，而非舞台上的虚构形象。 德加倾向于描绘现实生活中的人物。他通过芭蕾舞女这一题材，探讨了不在聚光灯和舞台上时，女性在生活中排练中更加接近真实的状态。 德加对芭蕾舞女的兴趣，不仅仅是对舞蹈艺术的喜爱，更是他对人体、社会和艺术技巧的多重探索。雕塑彩：1880年代起，德加的视力开始衰退。此后，他的创作转向雕塑和彩色蜡笔画，这些对视力要求不高。展览中还有许多德加的芭蕾舞女小雕塑，很可能是为了后续更大雕塑做的草稿。最终完成品雕塑是有小裙子的版本散落世界各地，不在本次展览中。澎湃的艺术评论“只看过德加画的芭蕾舞者？来浦东美术馆看他的雕塑吧”更关注了德加的芭蕾舞女雕塑，其中引用了一小段来自艺术家本人的语言，十分精妙，分享给大家他曾坦言：“我的雕塑将永远不能达到雕塑艺术的完美程度”，其本质是“让绘画更生动的练习。”整体来看，芭蕾舞女题材不仅是德加艺术生涯的重要标志，也折射出他对19世纪现实都市生活、女性角色和绘画技法的综合探索，让我们得以通过这些作品，感受到19世纪巴黎舞蹈世界的生动与复杂。翻铸成青铜的《14岁的小舞者》流散在多个博物馆和藏家手中，此为大都会博物馆藏品。（非此次展品）延展推荐塞尚夫人展览画册采访：www.metmuseum.org对于了解塞尚和夫人的关系，有非常大的帮助。英文生肉。电影推荐：很想推荐娜塔丽·波特曼的《黑天鹅》，这部电影中又有女性对事业的野心，对关系的深入探讨，也有芭蕾舞的唯美。
大家好，欢迎收听本期“不装艺术”。这是一档全新的播客节目，旨在通过短节目形式，带你看看人文艺术，凑凑热闹，看看门道。奥赛展有哪几条友情线其实艺术家并不仅是作为个体存在在历史长河中星星点点的天才，他们也有时代环境的影响和造就，更有自己的“朋友圈”，通过本次奥赛展这种大而全的历史脉络展览，也是个非常难得可以瞥见大师们彼此关联关系的机会。让我们走近看看： 最受关注友情线：梵高与高更 同频老友友情线：德加与马奈 印象派朋友圈1:15 - 梵高与高更策展：本次展览的策展很有心地将梵高和高更的自画像放在同一个空间内彼此遥望，而在他们两人中间的就是梵高著名的《阿尔勒的卧室》。这个巧思呼应了历史上，1888年10月梵高等到高更来到法国南部普罗旺斯的阿尔勒。而后他们在此成为室友，这两位“非科班出身”的艺术家在此共同创作了一段时间。友情故事：他俩其实在巴黎就认识了，互相也展现出对彼此的欣赏。在梵高的盛情邀请之下，高更来到了阿尔勒这栋黄房子，开启了他们的室友生活。我想如果让我选的话，成为他们中任何一位的室友，生活都会非常精彩，甚至可能精彩到令人窒息的程度。有过室友的朋友或许可以想象，他们刚开始的相处也有过美好的时光，吃饭喝酒看展旅游，但到后来也出现了艺术理念的摩擦。其实从他们各自风格强烈的作品中，或多或少也可以看出两人的巨大差异，热烈真实的梵高，配色明亮但画面却显克制的高更。梵高是荷兰公务员家庭出身，对世界充满爱的前画廊工作者（当然梵高还有很多其他身份和工作展开可能说不完）；高更则曾是股票交易员，跟着毕沙罗学习绘画，也混迹印象派圈子。两人截然不同的风格、追求、性格、和生活过往，终究是产生了剧烈的摩擦。我们目前知道的最具有戏剧性的故事是，他们爆发过一次激烈的争吵，梵高用剃刀割下自己的左耳，而这仅发生在1888年的12月，他们不过相处了2个月而已。据说在包扎好伤口后，梵高还将自己的耳朵送给两人在巴黎共同认识的一位女性（妓女）。不过关于这只耳朵的去向，故事版本也不仅限于此，倒也不必过于纠结。明眼人都看得出来此时梵高的精神状况一定是有严重问题的，高更自然在此地也是不宜久留的。之后两人分道扬镳，应该就“此生不复相见”了。后来的梵高住进了圣雷米的精神病医院，不幸在1890年持枪自杀。而高更在1889年巴黎世博会见识到了异国风情，而后在法国政府的支持下去了塔希提岛，开启了他绘画生涯中颇具代表性的高光时刻。其实他们各自作为艺术家的伟大之处已经不用过多描述，但是他们数十年人生中的这两个月，确实让我们感到唏嘘。虽然当下人们的友情或许不会（也最好不要）有这么戏剧化的结局，但是也让我想到了时下出现的“友情降级”的说法，但我个人认为，不一定当一辈子朋友才是朋友，两个月何尝不是深刻的友谊呢？特别推荐大家有时间的话，在这个展览特设的小空间多驻足一段时间，感受两位天才彼此互相凝视的张力，还有阿尔勒的梵高的房间这个特殊的两人曾经相处的空间。7:48 - 德加与马奈此前德加在我脑海中自然而然地和芭蕾舞绘画和雕塑关联起来；而马奈则是草地上的裸女（原作名为《奥林匹亚》）和他特别具有代表性的人物画法。在这个展厅中，可以拍摄到一个微妙的视角，仿佛德加的芭蕾少女雕像们就站在马奈人物绘画背景前一样。这次展览他们俩的作品其实也在一个空间内，但是相对梵高与高跟的小房间，这里宽敞明亮许多。借由看展文字和展陈，发现他俩的关系对我来说是个有趣的彩蛋，并且由此做了点功课。这不看不知道，一看太有趣，2023年巴黎的奥赛美术馆和纽约的大都会艺术博物馆就做过《Manet / Degas》主题展，聚焦在他们作为同时代画家的生动关系。这种关系不只是他俩的人际关系，也有时代对他们共同的影响再创作主题上的共鸣：出生背景相近：Manet（1832–1883）和 Degas（1834–1917）同为巴黎出生，年龄仅相差两岁。两人都是来自富裕的中产阶级家庭，放弃原本家族期待的法律或学术道路，转而追随绘画梦想。复杂情感交织：他们的关系 “既是朋友，也常有竞争，甚至偶有冲突”，共同推动法国现代绘画的发展卢浮宫邂逅：两人的相识有说法源自巴黎卢浮宫西班牙展厅，德加和马奈几乎不约而同地选择了以各自不同的方式临摹/复制委拉斯开兹的画作《玛格丽塔公主》德加居然还画过马奈？德加画过一幅小小的油画，表面上是一个温馨的家庭场景：马奈懒散地靠在沙发上，神情有些忧郁，身旁是妻子苏珊娜在钢琴前演奏。看似平静的画面，却藏着一段不平静的插曲。这幅画原本是德加和马奈互相交换作品的礼物。但不久之后，马奈竟然把画作右侧裁掉了——正好是妻子演奏时的面容所在。德加知道后勃然大怒，立即要回自己的画，同时把马奈给他的作品退了回去。一个艺术家擅自“编辑”另一个艺术家的作品，本就罕见，更何况马奈切掉的还是妻子的脸。这一举动至今仍让人费解，也让这段友情故事增添了复杂与戏剧性。虽然产生过这样的“嫌隙”，德加还是收藏了大量马奈的作品，这种收藏行为在马奈逝世后尤为显著。我十分羡慕他们这种彼此关联，不免被比较，但是透过人生的长度更多看到了底层的承认与尊重。在奥赛这样的大群展中，留有一个展厅，一行小字点到为止他们的友谊，而背后竟然蕴藏着这么强大的能量和故事，还是令人惊喜。13:14 - 印象派朋友圈在展厅的影响派部分介绍文字标题中，出现了三个名字“莫奈、西斯莱、毕沙罗”，印象派的画家当然远不止这几位。就是当年他们的“抱团取暖”从一定程度上抵御了来自主流艺术圈和评论界的“不待见”。1874年，一批艺术家自发组织了第一次印象派展览，展览名为“无名画家、雕刻家、版画家协会展”，29位艺术家带来了160多件作品，引起了巨大的社会反响。其中莫奈的《印象·日出》被记者讽刺认为是，模糊的、令人难以琢磨的、不完整的。在学院派的阴影下，这位记者用来讽刺他们的“印象派”一词，反而被他们接受了，并成为了日后影响世界的艺术史流派名称。印象派的核心关注点之一，就是光线，自然光的创作环境，无需写实的功能解放，让莫奈获得了退一步观察光影世界变化的自由，这种细致入微的光线观察是具体到分钟的。在“干草堆”（Haystacks）系列里，莫奈一早起床，根据光线微妙变化，在多块画布间切换作画，一幅作画时间可能也只持续几分钟。话题回归到标题中这三人的关系：莫奈与西斯莱更像是并肩作战的伙伴，两人都曾在格莱尔画室学习，和雷诺阿一起是同学。他们经常结伴到户外写生，把画架直接搬到自然里。莫奈常常因为经济拮据濒临破产，西斯莱虽然出身富裕，但后来家道中落，也陷入困境。两人时常互相资助、交换画作。他们的友情更多是一种“战友”关系——在外界嘲笑印象派“未完成的速写”时，他们互相鼓劲，坚持自己的探索。而莫奈与毕沙罗，更像亦师亦友。毕沙罗年长莫奈几岁，被看作“印象派的导师”，耐心、包容，乐于分享技法。他的学生和追随者众多，此处call back，高更就是他的学生之一。毕沙罗的乡村视角和莫奈的水景视角，彼此交流，形成了印象派多样的面貌。塞尚与雷诺阿：其实这是展览中提及的另一条隐藏友谊线索，时间关系就不详细展开了，关于他们的故事更多可以查看香港的展览“塞尚和雷诺阿的世界：法国橘园美术馆及奥赛博物馆珍藏展”，虽然后来塞尚离开了印象派，但他和雷诺阿的友谊长存。OST推荐：探索完这条友情线索，真想播放一曲“友谊地久天长”，好希望天下能有不散的宴席。(插播版本为：Auld Lang Syne - Home Free)
大家好，欢迎收听本期“不装艺术”。这是一档全新的播客节目，旨在通过短节目形式，带你看看人文艺术，凑凑热闹，看看门道。作为我们这档栏目的第一个系列，我们想要带大家一起看懂国内时下流量最高的展览之一——奥赛博物馆首次在上海浦东美术馆落地的大展《缔造现代》，我们将分4期节目和大家一起聊聊主办方背景、艺术家八卦和展览亮点。开展原周期是2025-06-19 - 2025-10-12， 好消息是最近浦东美术馆公布本次展览将从10月12日延期到10月26日，但是其中有7幅作品还是将在12日之后撤展，所以感兴趣的朋友们，还有一个多月倒计时。1:08 - 奥赛博物馆起源与建筑变迁 - 火车站改建为博物馆的故事奥赛博物馆原址是塞纳河畔的奥赛火车站(Gare d'Orsay)。火车站建于1900年巴黎世博会前，同年正式启用，并配有豪华酒店与玻璃天棚。车站曾在二战期间也承担一定的功能。建成70年后火车站一度计划拆除，但法国文化部长否决了新建酒店的方案，转而提出改建博物馆。这个决定就将这个曾经的豪华火车站改成了如今赫赫有名的奥赛美术馆，其中的藏品多原存于卢浮宫、以及蓬皮杜等机构，经过大规模修复，奥赛博物馆于1986年12月在时任法国总统主持下正式开放，当时的馆藏超过2000幅画作和600件雕塑。2:06 - 奥赛博物馆过往在上海的展览历史奥赛其实并不是第一次来到上海，上一次是2004年，在当时的上海美术馆，如今的上海历史博物馆。“上海美术馆在南京西路325号的十二年，除了上海双年展外，最令人记忆深刻的是2004年底的“法国印象派绘画珍品展”，当时来自法国奥塞美术馆的51幅顶级印象派作品在上海美术馆展出，其中有世人熟知的马奈的《吹短笛的男孩》、莫奈的《卢昂大教堂》系列、德加的《舞蹈课》和塞尚的《三浴女》等。展览规模之大、艺术水准之高堪称当时中国举办西方绘画作品展览之最。” -- 澎湃新闻3:03 - 展览解读展览标题：《缔造现代》含义其实非常直接也十分准确，就是指向19世纪末到20世纪初的艺术转型，通过这个时期的艺术作品介绍了现代主义这个重要的历史阶段是在什么历史环境下诞生的。艺术史上普遍的几种看法有： 摄影技术的发明发展 塞尚的出现，被毕加索认为是“现代主义之父” 梵高、高更两位相爱相杀的好友，在印象派出现之后的强烈自我表达 日本浮世绘在法国世博会展览规模：展览覆盖了整整两层楼的展厅空间，有逾百件19世纪40年代至20世纪初最具代表性的艺术杰作。流派覆盖面广，包含但不一定限于：学院派、现实主义、自然主义，到印象派、新印象派、后印象派、纳比派等。展览脉络： 时间轴为主：学院派—现实主义—自然主义—印象派—点彩派。进门的两张学院派非常有代表性，比较有名的可能是右侧的维纳斯的诞生，与文艺复兴时期波提切利的维纳斯的诞生相比，更鲜艳活泼，但仍关注希腊神话，颇有传承之意。下一个展厅进入了现实主义，写实仍然非常重要，并通过人物和人物关系体现一种更有电影感的故事叙事看了人物，自然也得看看风景，接下来就进入了自然主义的展厅，写实的风景绘画是非常受欢迎的题材。写实看了许多，随着颜料技术的进步，新的颜料不再那么容易被风干，可以保存得更好，许多艺术家也开始走出画室，进入大自然，为了捕捉自然光线的感觉（并且反正摄影可以更写实），印象派诞生了，印象派的光影异常柔美，画作大多都与室外人物（雷诺阿）风景（莫奈）有关，非常强调自然光线。印象派中已经可以看到笔触出现了明显的点线方式，更进一步进入点彩派，就彻底沦陷在小圆点中，本次展览展出了代表艺术家修拉的多幅著作。这个理念对后来的电子照片的“像素”有一定的启发，点彩派可被视作“像素化思维”的艺术先声，它在19世纪末就已经利用视觉混合的原理，启发了后来关于图像分解与重组的理解。电子像素化是其科学化与工业化的延续。 再往后出现了很容易被认为是“抽象派”的前现代主义，之所以这时候还不到抽象是因为看人还是人，看猫也还是猫，提炼了他们的形象并且进行了二次创作，但外形仍可辨认。抽象了一点儿，但不多。 题材为辅：人物、风景、都市生活。13:38 - 延展推荐OST推荐： 学院派、现实主义：《奥本海默》Can you hear the music 梵高与高更：《教宗的承继》Main Theme 德加与劳德雷克：《午夜巴黎》原声。电影推荐：《午夜巴黎》作为观展延伸体验，正好是进入现代主义之后的张扬与艳丽，奥赛大展不仅是一场视觉盛宴，更是一次穿越现代艺术诞生现场的旅程。预告：奥赛展系列第二期我们将展开说说艺术家的友情线，第三期将聚焦展览中的女性，第四期将重点聊聊展览主视觉中的四幅作品，尽情期待。
