看到台下挤得黑压压的一片，和我具有某种共同属性的人群，让我觉得美妙而梦幻。他们在现场或倾听或跟唱，双手挥舞，全身扭动当oh my baby oh why oh my响彻全场的时候，真是很难想象是什么样的感情在激发这一瞬间。我觉得Blur自己真是未必料到会发生这种场面，何止是壮观和感人。真是有那么多人在爱他们，为他们添加意义，单纯的音乐力量也好，动情的故事历程也好，从他们身上找到幸福感和快乐论，看到唱咖啡牛奶的时候有个女孩子搂着她伴侣甜美地唱出：agree to marry me..啧..就是那感觉，Blur融到生活里了。
杜昊：一个有过十年吸毒经历的人；一个迈过十年牢狱之灾的人；一个始终痴迷音乐衷于梦想的人；一个你引以为戒的人...！80年代与景岗山，含笑合称歌坛“三小子”，80年代末90年代初著名音乐制作人兼歌手 曾为朱桦、那英、叶凡、黄磊等歌手担任制作1993年个人原创专辑《你说我是个受过伤的人》问世，这是一张极其触人心灵的专辑，八首歌，沧桑的声音，永远的绝唱。作为一张蓝调摇滚，专辑的完整性和表达深度十分罕见，说首首都是经典也不为过，有网友说这张专辑充满着“悲凉”，的确有点，但你无法抗拒他力量。1994年，在南京举办的“光荣与梦想”大型歌坛活动中与那英作为赛特文化代表，倾情演唱《破碎的梦》，将现场气氛引向最高潮，现场令金兆钧等众多乐坛老炮感动流泪。
Genesis是七十年代、八十年代乃至九十年代最成功的摇滚乐队之一，Genesis的成员Peter Gabriel和Phil Collins在后来都成为了超级明星。乐队的雏形来自Garden Wall，这是15岁的Peter Gabriel和Tony Banks在1965年成立的乐队，同时Michael Rutherford和Anthony Phillips成立了Anon乐队，后来两支乐队合并，并且录制了Rutherford和Phillips创作的一个六首歌的DEMO。录音艺术家兼制作人Jonathan King听过了这卷样带，为乐队重新进行了编曲并将乐队重新命名为Genesis。创世纪乐团（Genesis）是英国的前卫摇滚团体，在1967年组成，当时东尼•班克斯、彼得•盖布瑞尔两个人都还在切特豪斯学校就读。创世纪起初是由两个不同的团体所合并组成的：The Garden Wall（班克斯、盖布瑞尔）与 Anon（路德佛、菲利普斯）。团名是经由受洗礼所决定的，而他们的经纪人早先是乔纳森•金而后是托尼•斯特拉顿-史密斯（Tony Stratton-Smith）。在70、80以及90年代，创世纪皆有着相当成功的表现。他们的长青岁月只有滚石合唱团以及奇想乐团相堪比拟。创世纪乐团在1998年宣布无限期停止演出。
许巍的第一张专辑——《在别处》，清冷低调，忧郁唯美，在我的耳塞里无数次渗透，伴着我无数次迎着冷风从街头走过。 专辑的名字很好。我想，许巍应该是援引的19世纪法国诗人兰波在巴黎大学涂鸦的一句口号——“生活在别处”，尔后捷克作家米兰•昆德拉在1975年流亡到法国后用这句话给一部小说命名。至此，这句话在欧洲甚至全世界的先锋文艺界声名大噪。“生活在别处”，在兰波的语境里，反映的是对现状的不满，对美好世界甚或是乌托邦的向往；在米兰•昆德拉的作品里，则充满了一个年轻人内心世界的喃喃自语。在这个叫雅罗米尔的年轻诗人身上，个人的命运，撕裂在当时捷克斯洛伐克动荡的政治背景当中。焦躁和忧虑，无力和无奈，像书签一样，随时散落在每一页。 在许巍的这张专辑里，夹杂了兰波和米兰•昆德拉同样的情绪，歌词里布满这样的字眼：无助，茫然，绝望，忧伤……闪烁着行吟诗人的忧郁气质。而音乐也是出色的，流畅的旋律，简单的编排，以及录音师刻意制造的有些含混不清的室内效果，让吉他和打击乐充满了现场感，裹挟出英伦噪音的味道。后来许巍的作品旋律更加流畅，录音也干净了很多，歌词更是洋溢着满足和温暖，但是我却找不到《在别处》的那种感觉。或者，他已经找到了“在别处”的生活，而我，还在原地徘徊。 我不知道是为什么，许巍能与时俱进而我却不能。我从没放弃过追求美好，但总是事与愿违；我一直都渴望着平稳安定，却一次次不自觉地陷入颠沛流离。文艺青年的特质，让我敏感而焦虑，成为这个美满时代不和谐的音符。像米兰•昆德拉笔下的雅罗米尔，像1997年以前的许巍。可我是坚韧的，像《在别处》里面的《树》，“花开又花谢多少年，我依然，充满幻想和期盼”，但是在每个“悄然生长的夜晚”，又禁不住“让我沉重，又茫然”。 这是不是一种与生俱来的孤独？又会不会伴随我到生命的终结？
病蛹乐队来自贵州成军十年，对于一支经历了十年起起伏伏的乐队来说，心理变化与他们的成长有一定关系，也与乐队每个成员经历的事情关系更大，看到的越多，对事物的观念和态度也会随之发生变化。 自2002年出版了《放开我》之后，病蛹乐队一致积蓄力量承受这很多的变化。自2010年签约树音乐公司后乐队重新整装开始各种演出，开始新的音乐旅程。《就是现在》这张唱片里收录了病蛹乐队蛰伏三年来精挑细选的几首音乐作品，唱片从计划到录音到缩混再到设计都付出了相当多时间和精力，树音乐给予了大力的支持和帮助。这张唱片的出现也是病蛹乐队对音乐新的方向一种阐述，更加的多元化，独立，整体在强烈的节奏冲击中还能有极强画面感能够让其回味和思考是这张唱片的亮点。 自自然然一直是乐队对音乐和生活的态度，独到的去把生活和音乐紧密的绑在一起没有再去刻画执着与偏激的差别，而是注重生活本身带来的感受，这是病蛹要表达的。以一种冷静而积极的状态用音乐的语言去叙说生活中所遇到的问题和事情。他们摇滚的态度始终不变，能够从呐喊中感到释放出来的力量。
cream，是最早的超级摇滚乐团之一。1966年，EricClapton离开了JohnMayall的Bluesbreakers乐团之后，EricClapton与贝司手JackBruce以及鼓手GingerBaker创建了Cream乐队。作为英国最天才的吉他手，EricClapton的这只乐队虽然成立不久但是已经吸引了无数歌迷的注意。Cream于1966年7月29日在曼切斯特举行了第一次小规模公演，之后在首次在“温莎爵士和布鲁斯音乐节”正式登台演出。1967年初，随着JimiHendrix的到来，Clapton在英国第一吉他手的地位受到了挑战。Hendrix参加了Cream1966年10月1日在威斯敏斯特大学举行的一场演出。虽然Clapton仍然被认为是英国音乐界最好的吉他手，Hendrix的到来对Clapton的下一步计划有很深的影响。Clapton的目标是"掀起一场音乐思想的革命…改变世界，让人们震惊"。在流行迷幻的60年代中期，EricClapton带领Cream乐队发行了一张迷幻布鲁斯摇滚乐专辑《FreshCream》，而这张专辑让他的名字以及他杰出的吉他演奏技术在大西洋彼岸的美国也广为人知。接着发行了两张成功的专辑《DisraeliGears》和《WheelofFire》。头3张专辑的成功加上频繁的巡回演出使这支乐队的国际声誉直逼theRollingStones和theBeatles。仅仅三年时间，Cream就获得了巨大的成功，销售了1500万张唱片并且在欧洲和美国巡回演出，获得成功。他们革新了摇滚音乐，成为既具备音乐艺术性，又广受听众欢迎乐队之一。他们在美国的热门单曲包括“SunshineOfYourLove”、“WhiteRoom”和“Crossroads”。Cream在原来的摇滚上加以变化和革新，他们高水平的现场演出掀起了全场观众的激情。Cream的演出曲目风格多样，不管是流行音乐“IFeelFree”还是冗长的布鲁斯音乐“Spoonful”，都有Clapton精彩热辣的吉他旋律、Bruce优美流畅的低音贝斯和Baker强劲有力的鼓声。在这一时期，除了继续担任吉他手的角色，EricClapton开始向歌手和歌曲作者方向发展，以布鲁斯音乐为主，他的大部分作品的歌词作者是PeteBrown。Cream的成功，将EricClapton成功的推向国际乐坛，而重新诠释蓝调经典作品“Spoonful”、“Crossroads”、与“BornUnderABadSign”，更巩固了他的地位。1993年，Cream的成员再度聚首，为纪念他们载入摇滚音乐名人堂而演出。另一次Clapton、Bruce和Baker三重奏的完美演出是在2005年5月伦敦皇家艾伯特大厅，演唱会从5月2日至6日共四场，门票全部销售一空。2005年5月发行了演唱会现场录音大碟。之后同年10月在纽约麦迪逊广场花园演出3场。
Stevie之所以常被誉为继六零年代传奇吉他手吉米汉醉克斯以来最伟大的吉他手，绝非过誉之名，其因便在於Stevie无论在吉他技巧上已达到炉火纯青地步，又或他的现场演唱充满了情感外，他最让乐迷津津乐道的地方，便是他的个人魅力不管是从任何角度来看，都是独一无二的，只要他一站上舞台，只要他一随便拨弹出一段旋律音色，所有的歌迷都会立刻大叫，就是它！就是它！唯一的Stevie，而许多评论者亦都一致同意Stevie的吉他风范实际早已传承了汉醉克斯、Eric Clapton、Otis Rush、B.B. King等多位大师之神髓於一体。让人觉得彷彿是黑夜中唯一燃烧的烈焰，彷彿是上天贬謫而下的天使，在短短的三十五个年头间，为人间留下这永恒经典的摇滚吉他圣乐。 Stevie无论在吉他技巧上已达到炉火纯青地步，又或他的现场演唱充满了情感外，他最让乐迷津津乐道的地方，便是他的个人魅力不管是从任何角度来看，都是独一无二的，只要他一站上舞台，只要他一随便拨弹出一段旋律音色，所有的歌迷都会立刻大叫，就是它！就是它！唯一的Stevie可惜一手造就这个辉煌的正是天才Blues Rock的吉它手SRV--Stevie Ray Vaughan，可惜的就是虽然他能让Blues复活，却不能救赎自己，这个天才享年只有35岁，一场空难折断了他的翅膀，折断了他的手指，折断了他的生命。
具有独特文化的新疆，素有"歌舞之乡"的美誉。多姿多彩的民族音乐在长期的历史发展过程中，兼收并蓄，其表现形式更为多样，内容更加丰富，阿凡提乐队便是其中之一。 阿凡提乐队由北京阿凡提文化艺术有限公司组建于1997年，由维吾尔、哈萨克、回、汉等民族的7位专业乐手组成。其中吉它手三人、贝斯、键盘、架子鼓及打击乐手各一人。 阿凡提乐队在国内独树一帜，它的音乐风格是一种新疆维吾尔族民间音乐与西班牙弗拉门戈音乐的融合体。弗拉门戈音乐有很浓郁的阿拉伯文化和吉卜赛歌舞色彩，这与维吾尔族音乐有许多相近之处，因此阿凡提乐队能较好地理解和自如运用，将两者巧妙融合，表现出新疆音乐的独特魅力。他们的演奏狂热奔放，旋律独特，节奏感强，演唱粗犷、欢快，令人振奋，并能用汉、维两种语言演唱。 专辑《楼兰姑娘》受到了国内外音乐爱好者的喜爱。此专辑精选了具有典型维吾尔族民间风格的歌曲
一些人昏昏沉沉地从每一天的晨曦中醒来，然后投入到奔波中去，到了黄昏，他们呆滞的望着这座城市，沉默着。 另外一些人，他们背离了他们的生活本身，喜欢无时无刻地高呼理想万岁！但也仅限于口沫横飞而已。 当然还有一些人，乐于把自己的价值摆上台面，供人指摘，然后佐以煽情的故事去博得别人的转身。 但还有这么几个人，他们觉得年轻不该是这样的，于是开始了他们自以为是的行动。 他们拒绝口号式的梦想，更不愿意把梦想当做一笔买卖。有人说在这个年代，物质已经泛滥，但你想过吗，在当下，梦想也已成为了市场的主流商品。 他们还不想那么做，在这儿，在这座城市，无论是空谈的理想还是过盛的欲望都有些多了，他们觉得那些本来的想法好像根本没那么花哨，理想也许只是一种状态：做自己能做的事，并且，这件事是自己想做的，仅此而已。
95年以后香港乐坛的好歌越来越少了。即使几位最王牌的歌星，如郑伊健、陈慧琳之类，也只识得他们几首主打的歌曲－－其它的歌不是不听，而是听过后实在没法下留下印象。1999年的十大金曲，听过好几次后还是大半的歌哼不出来，关键就是没印象。也许，是因为十年前每天守着电视或收录机等待新歌、每周追着排行榜的狂热已经过去；也许，是成年之后比当初少年时更成熟分析事物－－包括每一首新歌；更也许，是不能抛却那些伴我成年的首首旧调－－因而厚古薄今。总之在我的耳中，1999年的十大远远不及八十年代甚至九十年代上半期的一个季选，那时即使一个季选，都婉惜地看到好几首心爱的歌曲落选，现在想找到一首好歌也很不容易。为何会这样呢，可能是优秀的创作人都退休了，新手又无才气，造成现在青黄不接的局面。其实一首好歌曲的灵魂是作曲作词，还有那些幕后人员，如果没有顾嘉辉、潘源良、林敏怡、蔡国权、向雪怀、林振强、林敏聪、黎小田、关圣佑、黄沾、林夕等这些优秀的创作高手，何来天皇巨星、四大天王？
Frank Zappa原名Francis Vincent Zappa Jr.1940年生于巴尔地摩,是美国六十年代摇滚乐发展史上的先锋人物之一。1960年出版了第一张唱片，不过是为一部电影做的插曲。随后他又为电影配乐使得他有钱自己买了一间录音棚。1964年他和与他公事的乐手组成了一支乐队“Mothers”。1966年乐队推出了双专辑《Freak Out！》。体现了乐队“嬉皮“的风格，也使人们对他们有了更深的印象。再这张专辑中，Zappa在录音方面比同时期的其他乐手到要先进。1966年出版专辑《Absoulately Free》和1967年出版专辑《We’re only in it for the money》。1969年Zappa出版了个人专辑《Hot Rats》。这张专辑使他获得了“出色的爵士摇滚音乐家的”的称号。在此后的多张专辑中他尝试了多样的主题和手法，使专辑呈现出不同的特色。1968年他与他的经理人组建了自己唱片公司，并推出一些亲手提拔的一些乐队。在此后推出了一些个人专辑如1975年的《Bongo Fury》，1978的《Zappa in New》。此后，Zappa解除了同公司的合同并建立了自己的公司Zappa。1979年推出了经典作品《Joe’s Garage Act 1》，《Joe’s Garage Act 2，3》。到了八十年代他几乎每年都出一张专辑。并写了一部音乐剧和一部卡通片。虽然也有失败的地方但他依然被公认为是一位摇滚大师。1991年Zappa被查出患有癌症，但他依然不停的出专辑直到他1993年12月去世。
耳光乐队成立于1998年，乐队以“新民俗主义”的音乐风格在中国摇滚乐坛上被众多的音乐爱好者所喜爱。从乐队成立以来，长达七年的音乐岁月，耳光经历了无数次的光荣和比无数次更多的坎坷，他们用爱与青春书写生活，歌唱理想，批判伪道德，呼吁着民族精神和民族自尊，无论嬉笑怒骂、爱情、理想，在他们的音乐中无不体现了典型中国人的豪迈和东方人特有的细腻。耳光的作品，摒弃了边缘摇滚乐那曲高和寡，晦涩难懂的低调诗人境界，“曲之于民，歌之予人”的宗旨，让这种音乐充满了醇厚的民俗性，使人欣赏后能够会心一笑，津津乐道且耐人寻味。在律动性最强的Funk节奏下，耳熟能详的中国式旋律浑然其中，直面人性，直面现实的唐人言论扑面而来，耳光乐队用其特有的音乐和惊奇的拍案，诉说着我们每一个炎黄子孙那五千年的民族情感，呼唤着我们每一个龙的传人把被物欲渐渐冷漠的热血，再次沸腾。作品大多取材于我们周围的市井生活，在理解耳光乐队凡人你我在生活中所遭遇的迷惘、艰辛的同时，又以一针见血的辛辣讽刺抨击不平等待遇、直面人性中存在的美丑。 他们用最“三俗”的语言，中国特色的旋律描绘出一幅市井众生态的动人画卷。当然耳光乐队的作品，并不是一味的发着阴暗的牢骚，他们通过对真实生活的描述，警醒在迷雾中求索的人们，要积极的面对我们并不理想的环境并且带有乐观的态度去发现生活的美好。
香港真正意义上的流行歌发展至今已将近三十年，其中涌现出一批著名的巨星，推出过大量脍炙人口的名曲，影响着一代又一代成长中的青少年2003年11月6日，在香港红馆，梅艳芳最后一次演唱会，最后一首压阵歌《夕阳之歌》，身披着超长婚纱的阿梅在歌唱到一半时已经徐徐地走上人生最后的梯上，走到阶梯的最尽头回望着所有的观众豪迈地道“拜拜……”接着门慢慢地关上！她笑着完成了她人生最后一次经典演唱会！就这样百变歌后告别了她的人生舞台，接着也告别了所有的歌迷，离开了这个美好的世界，归于天堂！人虽已去，但她的动人歌声、百变形象及台风，定常留歌迷心中。悲伤感慨之余！仿佛时间就像似水流年……
三年前，赌鬼（Casino Demon）还是京城里刚冒起的新锐乐队。还记得朋友第一次向我推荐他们的时候，我第一反应就是：这乐队，脏不？是的，单从名字联想，赌鬼一定是酒气熏天、浑身脏兮兮的那款。朋友大笑说，放心，一点也不，干净的很。于是开始听赌鬼的《Teenage》，名如其名地青春逼人，他们就这样以初生牛犊之势，用文法不通却又无比甜蜜动人的吉他流行曲横扫各大livehouse，成为No Beijing浪潮里又一支人气乐队。2012年末，主唱王梓从美国游学归来，连同前Joyside乐队贝斯手刘耗和鼓手关铮重组赌鬼，在一连串的热身演出后，终于推出全新作品《你见过这样的星星吗？》。尽管只是一张收录了六首歌曲的EP，但却更显含金量十足。在后海大鲨鱼主唱付菡绘制的专辑封面中，赤裸的一对男女背对我们，从他们视线交接处，闪耀着一颗星星，这是在高楼耸立的城市里，还是海边的小木屋？而赌鬼乐队的名字，则用细细的笔画书写在画面下方。这似乎预示了赌鬼的一种转变，从纯粹的underground夜店之王，转向更细腻的indie rock/pop风格。从专辑打头炮的同名曲开始，在吉他刷Chord和贝斯组成的旋律动机下，你就可听见王梓的成熟，他的粗中有细，他用两把大斧跳起了霓裳舞曲，而万能青年旅店御用提琴手刘逸斌的点睛一笔更是精彩。此后的《悲伤会永远蔓延》立即把你带到了西雅图，或是纽约，或是底特律，管它呢，whatever。《愚蠢的经历》则用Swing扭动你的臀部，叙说的是一个少年维特之烦恼式的故事。到《芝加哥》的时候，乐队把表演的时间交给了手上的乐器，长达一分钟的间奏展现的驾驭力是乐队之前不多见的。当然，这张EP扛鼎之作还得论《童年》。作为赌鬼乐队主脑王梓压箱之作，《童年》已跟随他多年，从之前的“荡四”乐队到如今的赌鬼。毋庸置疑，王梓有着与生俱来的才华，能够敏锐地捕捉到那些优美的旋律，并为他们赋予让人印象深刻的节奏形态，如Gala乐队早期代表作《Young For You》，就出自他的手笔。《童年》同样也是一首不逞多让的佳作，它简单，直率，虽然是一首英文歌曲，但你会明白他在隐喻着些什么。我们的童年时代，有着一样的荒凉贫瘠，我无法在小时候听到披头四、鲍勃•迪伦、Oasis，无法在小时候看到阿西莫夫、昆汀，但当我们逐渐长大，逐渐张开眼睛打量这个世界的时候，我们只能无情地和过去彻底割裂，即使为此付出头破血流的代价。因此，《童年》不仅是一首中国新世代摇滚乐的畅销金曲，livehouse里的pogo之歌，它更是一首中国新青年亚文化的马赛曲。最后，赌鬼还留了一手，《普通的南方》是一首中文民谣歌曲，万青的董亚千友情客串滑棒吉他，给全曲增添了浓浓的美国南部的风情。
安德森的假声不是妖孽，那是呐喊，对生命的呐喊，呼唤我们心底的一份感动，让人为之动容。你听suede，会沉默、会挣扎....那正是《suede》的魅力所在，就在suede中沦陷，再重生，重生再走向毁灭。? 选择11首歌，11次的洗礼，11次的震撼。可是震撼之后呢？只留下对青春的回忆？23年，当年听众老了，当年的suede也老了。时隔18年再提到这张专辑，有回忆的人们一定开始述说当年的事情。循环了将近2个月， 我常在想，对于我这样和suede没有回忆的人很可悲，提到他们究竟能想到什么？当年跑了第一名，好像就骄傲了，在世上苟且偷生的活着。再过18年，我也不过是个述说当年故事的人，再带着回忆活18年。 I'm not dead，I'm so young.....I should slow down..?? 把《suede》当歌听的人，你还是别听了，要不然回忆会对你不负责。不需要没有用的回忆，需要有希望的将来。山羊皮永远年轻，永远辉煌，永远没有回忆。不需要过多的语言修饰他们，他们本身就是一个修饰语，“未来的山羊皮”，从未离开? ? 没有回忆，应该有未来。不是苟延残喘的未来，而是一边呐喊，一边放慢速度慢慢找到希望。我还年轻，还能折腾，我还没死，不要来世见。没找到就用安眠药麻醉自己。?
2012年1月成立乐队以硬摇滚为基础，添加了funk、blues等音乐元素，主唱（高伟）极富穿透力的高亢嗓音，总是率先让人眼前一亮！吉他手（卢一酒）扎实的基本功演奏的经典blues华彩，灵动流畅，也是北京吉他手少有的特点。相信可以给观众带来不同的视听感受。2013年9月获得了“虎牌乐队龙虎榜”全国总决赛冠军。2015年发行第一张原创专辑《摇滚你的生活》。乐队理念有人地上商业跑、有人地下主义钻。太多的浮躁与虚化，多的让我们不想再去了解。比起浮躁华丽的炒作与吹嘘，音乐的品质与内容以及现场的感染力，才是黑薄荷乐队的真正目的！
经历过命运的平坦与坎坷，他们用岁月的沉淀在低吟浅唱。许是温柔、低沉、 沙哑而饱含着沧桑，抑或是激越、宏亮、高亢而独特的破锣嗓......各种类型的大叔好声音会让你在这里沉醉不醒。
1992年7月，“宝贝兄弟”乐队在香港首次举行个人演唱会《常宽至尊音乐会》，并与BEYOND乐队在香港海洋公园的“万事发音乐节”上同台演出。8月，出版个人专辑《今天的一切》，收录9首歌曲，主打曲《今天的一切》成为常宽的代表作之一。10月，初任北京音乐台节目主持人，与降巩民先生一同创建《中国歌曲排行榜常宽是中国最老资格的流行音乐艺人之一，而且是中国原创音乐的最早实践者和推动者，早在二十世纪八十年代就已成为中国原创音乐阵营中的一线艺人，在其后的演艺生涯中，常宽更积极拓展自身事业，除出版了多张个人专辑及荣获多个音乐奖项之余，还参演了多部电影及电视剧集，更逐渐发挥出了作为一位综艺节目主持人的潜质，成为了一位不可多得的全方位艺人
有谁用心去听过这首《不再让你孤单》L说多深情的歌可我听来却是：深爱一个人，爱而不得却又无时不刻心疼的绝望如渐行渐远的你我L说：洛你执念太重，用情太深，在不要听这样的歌了，过去的事，离开的人，任谁都是无能为力的。你该看看身边的人，明天的事。可在这世间行走，阳光灼烈，我的影子都是她的样子人走了，心还爱着，做不来口是心非。忘怕是不能了你们若是真爱一个人了，请生心疼，别让她孤单。歌词很真诚，第一次听莫名哭了，陈升沙哑的声音配这歌很合适，有沧桑，有誓言，也有温情，“我从遥远的地方来看你，要说许多的故事给你听，我最喜欢看你胡乱说话的模样，逗我笑，尽管有天我们会变老，老的可能都模糊了眼睛，但是我要写出人间最美丽的歌，送给你.....”泪~~听这首歌的时候，前面正好走过一对老夫妻，日子慢慢地过去挺美好。
弥藏乐队：2001年初冬，乐队在北京老城区的一个大杂院里成立。平民、草根的身世背景注定了他们与布鲁斯音乐的不解之缘。2008年02月，单曲《I Don't Want a Baby》收录于《我爱摇滚乐》第72期 2008年03月，乐队推出根源色彩浓郁的首张EP《Goodbye 1968》；并在愚公移山举行首发式演出2013年11月，签约麦爱音乐并发行传统布鲁斯摇滚大碟《和时光赛跑》2014年11月，获第14届华语音乐传媒大奖及2014华语金曲奖“年度最佳蓝调艺人”奖项提名 12月，推出全新单曲《香泽兰》2016年01月，单曲《香泽兰》收录于《通俗歌曲》2015年终特刊经过十几年的岁月磨砺和人员变换，这支历久弥新的布鲁斯摇滚乐队正释放出他们内在的根源力量并将他们所钟爱的布鲁斯音乐继续传递。
Crematory主唱Felix和贝司手Marc创建了乐队，一年后他们发行了他们的第一张DEMO专辑：“The Light Of Day”，这张样带得到了媒体特别是乐迷的强烈反响！样带不仅仅在德国卖得好，而且在海外得到巨大广泛的赞誉并且卖了1500张。这时他们也首次和唱片厂牌取得联系。Crematory随后发展成为德国最重要的音乐团体。 Crematory乐队创造了一种灿烂的旋律化的歌特金属，他们的专辑“Awake”进入德国专辑排行榜第54位，其中歌曲“Temple Of Love”注定成为一首热门歌曲，Crematory乐队狂热的乐迷和报刊杂志的极高评价使他们成为歌特金属领导者的地位。
2014年10月不可撤销乐队将发行他们的首张专辑《她 千鸟》。专辑中共收录10首单曲，其中《幻》和《女孩儿》为早期作品再版，其余8首全部为新歌。与之前的EP《致敬梦想》相比，这张专辑仍延续迷幻最初的味道，但是在编曲的框架上做了很多新的尝试。 这张专辑从录音到缩混及后期都是由经验丰富的制作人范川亲自制作，更是邀请到了好友曾经为Lenka制作单曲的制作人Didi-dig担任弦乐编曲制作。 8首新歌8个味道： 《启程》即是远行的开始，唱出了年轻人对旅行的向往，渴望享受沿途的美景，同时也寓意人生如一场旅程，要充满希望的去生活； 《寻找女朋友》是作为本张专辑第一首单曲发布的，迷幻和实验噪音的结合，歌词简单曲调俏皮，唱出了很多男孩儿的心声，渴望爱情同略带淡淡无奈； 《她》讲述暗恋的甜美并心酸，让我们不由自主的也想起那青涩的学生时代； 《侠》顾名思义，这是一首中国风与迷幻相结合的歌曲，听歌同时脑海里会浮现表面光鲜亮丽的侠客却孤独的身影，一种凄凉的美，无论是歌词还是旋律都极为大气； 《迷幻世界》依然是轻快悠扬的曲风，朗朗上口，迷离精致，简单但大气的乐器编配加上主唱辨识度极高的嗓音，使整首歌儿充满画面感； 《燃烧》讲述了新郎和不幸遇难的未婚妻举办了生死相隔的婚礼后再举办葬礼，感人肺腑； 《千鸟》鸟儿对自由的向往，迷茫中略带忧伤，天空才是他们的归宿； 《冬春说》冬去春来，冰雪初融，大地复苏，享受变暖的时刻，如同一幅会动的画。 他们的歌曲依然清新温暖，无论是吉他，贝司，还是鼓都能感受到出自几个阳光男孩儿的手。他们的旋律时常回荡的耳边，每首歌儿都如一首生机勃勃的画。时而沉稳低调时而色彩斑斓，正如他们绚丽的人生，正直且阳光。
The Beatles在这张唱片创作上的主心骨基本上是2+1，三人为这张唱片的palette涂上了迥然的色调，这些迥然之中又贯穿着Beatles之魂。这样的创作团队可以在保证丰富性的同时兼顾和谐。我不怀疑他们当中的任何一人都可以拿出完全个人色彩的概念唱片，只是在这张唱片，这三人的特性融合得非常工整，几乎完美地规避了同质化带来的枯燥与创作核心碰撞可能产生的突兀。前后两首同名曲是唱片概念的定海神针，提醒你是在一个酒吧里欣赏某乐队的专场演出。不太习惯迷幻摇滚的听众会在这两首歌里找到这张唱片中最爽快的摇滚进行。Paul的vocal delivery让人振奋（笔者听到"I don't really want to stop the show"时是有点小鹿乱撞）。Ringo唱的"With a Little Help from My Friends"是一个规矩的开胃菜。基本上也是一般驻唱乐队在开场聊骚之后会选择的开篇方式，工工整整娓娓道来，让台下听众慢慢进入状态。正菜第一道“Lucy in the Sky With Diamonds”，迷幻基调就此打下。chorus如万花筒般绚烂华丽，没嗑药胜似嗑药。"Getting Better"和"Fixing a Hole"把“Lucy in the Sky With Diamonds”一下子带起的温度稍微回拉，进入常规节奏。当然后者已经开始渐入邪道。"She's Leaving Home"继承"Fixing a Hole"的迷离光环的同时掺进了点落寞的伤感。这首歌也提供了全碟最优美的弦乐部分。"Being for the Benefit of Mr. Kite!"回归了开头与台下互动的场景，依旧延续了浓郁的迷幻氛围，同时昭示进入中场。目前为止的半场由“Lucy in the Sky With Diamonds”领衔，整体格调迷幻而惬意，但我们都知道大菜还没上齐。接着走。Harrison怪力乱神的印度风实验曲目"Within You Without You"直接亮相，至此迷幻氛围酝酿至顶峰。一张主流概念唱片也就容得下一首饱和度这么高的冥想意识流曲目了。"When I'm Sixty-Four"果然悬崖勒马，上了一首清爽诙谐的小调。"Lovely Rita"开始回归常规节奏，继承了"Getting Better"和"Fixing a Hole"的轻迷幻格调，又延续了"When I'm Sixty-Four"略上扬的情绪。"Good Morning Good Morning"依然在从"When I'm Sixty-Four"开始的情绪脉络中，鸡飞蛋打的欢乐全垒打。也在容易疲惫的后半部分起到提神作用。"Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)"宣告演出结束，与开头同名曲首尾呼应。在下半场的小调循环后是不是有点没尽兴的感觉？等安可呗。果不其然，"A Day in the Life"在最后来了一下猛的，直切全碟要害。这首歌可以看做是正场演出的缩影，有上半场的忧伤迷离，也有下半场的清脆抖擞，有宏大的交响乐合奏，也有撒野的实验段落。周而复始之后落在一个数十秒的迷幻fade out上。整张唱片的抑扬起伏非常合理，并且全部套实在一个清晰的框架中。至于具体到每首歌中精彩的细节部分，相信每个人都会有自己的心得吧
Chuck Berry 超越贝多芬，把这个消息告诉柴柯夫斯基。” 布鲁斯、乡村、一点点的拉丁…在上个世纪五十年代中期，Chuck Berry将这些音乐风格全部融入到了他的个人招牌式的摇滚当中。作为当时的吉他灵魂人物之一，Chuck创造了最基本的12小节摇滚solo的乐句模式，他的吉他licks至今仍被众多的吉他手模仿和研究。他在舞台上弹奏吉他时跳着滑稽的"鸭子步"和煽情的摇摆舞也是让众多歌迷疯狂地爱上吉他音乐的原因。六十年代，两支欧美最受欢迎的摇滚乐队Beatles和the Rolling Stones都受到了Chuck Berry的影响。可以说正是Chuck这位黑人开创了白人摇滚的神话。 忘记"猫王"吧，Chuck Berry才是真正的摇滚乐之父。他汇集布鲁斯和乡村音乐的风格，以激烈的吉他演奏标志着吉他这种乐器开始成为摇滚乐中的重要角色。Berry用大音量的吉他licks和充满暗示的歌词着实把50年代的一本正经的听众们惊呆了。人们从那时开始意识到摇滚乐有着超越贝多芬的力量。显示活力的double stop（在独奏中同时弹奏两个和弦音）和轻松幽默的推弦是他的演奏特点。 作为杰出的词曲作者、歌手和乐手， Chuck Berry已成为以后那些富于自制力的摇滚艺术家们卓越的楷模。如果没有他，The Rolling Stones乐队的Keith Richard乃至Bob Dylan甚至Beatles的出现都是不可想象的。 列农说过：如果要给摇滚乐一个名字，只能是 Chuck Berry。 Chuck Berry，摇滚乐真正的先行者，凭着一把老吉他在摇滚乐这片待开垦的草原上纵横驰骋，挥洒自如。滚石杂志在吹捧猫王的时候说，“很多人都认为摇滚乐是1954年在孟菲斯诞生的”，但这话绝对经不起推敲，1954年猫王才刚出道，Chuck Berry却已经驾轻就熟地弹着吉他唱起他自己的摇滚作品了。 这张专辑精选了Chuck Berry在1955－1965年间最为脍炙人口的28首歌，曲风很明显是从乡村民谣向摇滚过渡的风格，欢快舒畅，清新质朴，毫无矫饰，听着让人情不自禁地想要一起边唱边跳。Chuck Berry是个如此伟大的吉他手、创作者和歌手，60年代大红大紫的民谣和摇滚歌手无不受到他的音乐熏陶，有人说，如果没有他，Beatles、Bob Dylan等人的出现全都是不可想象的。 然而，就是这样不知影响了多少人的经典专辑在滚石500张最强专辑的排行榜中却仅仅名列第21位，对此我不得不说，滚石的标准又一次让人看不懂了。 （引自bbb朋友在http://lib.VeryCD.com/2006/05/27/0000104474.html的介绍） Lionel Chuck Berry：布鲁斯、乡村、一点点的拉丁…在上个世纪五十年代中期，Chuck Berry将这些音乐风格全部融入到了他的个人招牌式的摇滚当中。作为当时的吉他灵魂人物之一，Chuck创造了最基本的12小节摇滚solo的乐句模式，他的吉他licks至今仍被众多的吉他手模仿和研究。他在舞台上弹奏吉他时跳着滑稽的"鸭子步"和煽情的摇摆舞也是让众多歌迷疯狂地爱上吉他音乐的原因。六十年代，两支欧美最受欢迎的摇滚乐队Beatles和the Rolling Stones都受到了Chuck Berry的影响。可以说正是Chuck这位黑人开创了白人摇滚的神话。 忘记"猫王"吧，Chuck Berry才是真正的摇滚乐之父。他汇集布鲁斯和乡村音乐的风格，以激烈的吉他演奏标志着吉他这种乐器开始成为摇滚乐中的重要角色。Berry用大音量的吉他licks和充满暗示的歌词着实把50年代的一本正经的听众们惊呆了。人们从那时开始意识到摇滚乐有着超越贝多芬的力量。显示活力的double stop（在独奏中同时弹奏两个和弦音）和轻松幽默的推弦是他的演奏特点。 Chuck Berry有时很像一个马戏团里的表演者：他把吉他放在脑袋后面或者双腿之间弹奏，像鸭子那样走路。他从中享受着莫大的乐趣，一切在他手中，都显得如此的从容自然。当一支乐队开始操练他们的音乐的时候，他们必须听一听Chuck Berry。如果你想学习摇滚乐，如果你想玩摇滚乐，你就得从听Chuck Berry开始，没办法，这是必须完成的功课。” Chuck Berry在37年前，说：“超越贝多芬，把这个消息告诉柴柯夫斯基。”他凝缩了1956年摇滚乐迷们对古典音乐的态度。如今摇滚乐的历史并未按照当年乐迷们的最基本的观点写下去。 摇滚乐的历史是由那些诸如Chuck Berry本人等根本不屑一顾、根本不注意他们来自何处，并写出十分美妙音乐的音乐家们写下去的。 作为杰出的词曲作者、歌手和乐手， Chuck Berry已成为以后那些富于自制力的摇滚艺术家们卓越的楷模。如果没有他，The Rolling Stones乐队的Keith Richard乃至Bob Dylan甚至Beatles的出现都是不可想象的。Berry创造了青少年们自己的民谣，展现了亚文化群的语言、习俗、风格、态度和日常生活（例如 School Days一曲中表现的枯燥的学校生活）。对于他目睹并经历过的社会病，他也不曾回避：Brown-Eyed Handsome Man一曲中反映的种族歧视问题；Memphis一曲中反映的单亲家庭问题；Too Much Monkey Business一曲中对单调工作的厌烦等等。《The Great Twenty-Eight》是Berry的拉什莫尔峰（美国南达科他州的一座著名山峰，其上雕刻有华盛顿、杰斐逊、林肯和西奥多•罗斯福的巨大石头像），直至今日，它仍是不容超越的。
乐队成员：主唱：阿杰/ 吉他：关双 /贝斯：三宝/ 鼓手：何岩 十月一日： 徐州国际绿音音乐节 十月十日： 安图声专辑首唱会巡演 青岛站 （Downtown-Bar） 十月十一日：安图声专辑首唱会巡演 烟台站 （哈瓦那酒吧）
发源于牙买加，其根源来自New Orleans的R&B。 当时牙买加的乐手根据广播中听到的New Orleans快节奏R&B，发展成属于自己的R&B音乐。 这种称为Ska的音乐型态，在当时60年代相当盛行。然而在一次非常热的夏天， 当地的人无法在高温的户外弹奏如此快节奏的音乐及跳舞。 当地的乐手就将音乐放慢，而形成了 Reggae音乐。它不仅融合了美国节奏蓝调的抒情曲风，同时还加入了拉丁音乐的热情。另外，雷鬼乐十分强调vocal的部份，不论是独唱或合唱，通常它是运用吟唱的方式来表现，并且藉由吉他、打击乐器、电子琴或其他乐器带出主要的旋律和节奏。而在雷鬼乐当中，你还会发现电贝斯占了相当重要的比例！雷鬼乐是属于四四拍的音乐，重音落在第二和第四拍。从音乐中大鼓的部份，我们可以清楚的听出一个明显的节奏和固定的旋律线。拥有自成一派、懒洋洋的独特节奏。 Reggae这个字是源自于「Ragged」，代表牙买加不修边幅的舞蹈形式
黑色安息日（Black Sabbath）是英国重金属乐团。它的成员有奥齐・奥斯本（Ozzy Osbourne，主唱），托尼・艾奥米（Tony Iommi，吉他），吉泽・巴特勒（Geezer Terrance Butler，贝司）和比尔・沃德（Bill Ward，鼓）。它们通常被认可为第一个真正的重金属乐队，被美国VH1音乐台列为百位优秀硬摇滚乐队的第二位，仅次于齐柏林飞船。 1969年乐队把原名“Earth”改成了“BLACK SABBATH”他们以使用纯正音色，极度简化的音乐和魔术般的联想著称。1970年推出了第一张同名专辑《BLACK SABBATH》。他们的第二张专辑《PARANOID》中的同名专辑也取得了一次瞬间的轰动。乐队的演出结合了核战争与死亡的主题，还显示了毒品，青年反叛的厄运和毁灭与队的感染力是建立在于青年观众一对一的确定的基础上。但几乎没有电台乐于给他们播放唱片，其中最著名的就是《MASTERS OF REALITY》和《SABBATH BLOODY SABBATH》他们的巡演也几乎场场爆满。在八十年代BLACK SABBATH的人员一直在处于不断的变化中，只有IOMMO一人一直留在乐队中。到了九十年代BLACK SABBATH已渐渐的被人遗忘，但他们早期的唱片仍能给新一代的乐队和听众带来灵感。
艾尔肯，维吾尔族，出生于新疆喀什(叶城)，自幼开始学习吉他至今。1999年自中央民族大学毕业后，因酷爱音乐而走上了职业音乐人的道路，组建了艾尔肯乐队，音乐风格以弗拉门戈为主线，同时融入拉丁、乡村、爵士等，创作出别具一格更具国际化的音乐风格。《巴郎仔》：熟悉的维族音乐节拍、典型的弗拉门戈曲风、带点拉丁风格，跨界民族与流行、古典与现代的音符，从未有过的新鲜叫醒你的耳朵。 从前我们不知道，西域的姑娘，是不是都带着面纱，能歌善舞，对于我们高傲自大的中原人来说，西域如同我们拉面店里挂着的丝绸画，只可远观，不知所以。 听艾尔肯的音乐，如见一位姑娘自西边走来，弹着热瓦普，唱起我们熟悉的歌，歌里有我们没听过的十二木卡姆，有我们不会颂的达斯坦。 我看见她，轻轻揭开面纱，我终于看见她的面容，如此陌生，可又一见如故。
沉默或许是他唯一的标志，音乐以实验性为主，前卫、默声，充当着乐手的角色。当在网络上看到一些对窦唯新专辑的评价后，我才知道原来有这么多人都找不到曾经的窦唯了，他沉浸在自己“默声”的时代里，顺着自己的心意做音乐。或许他的那份自我从来没有变过，只是这一次的觉醒过于强烈。在一副眼镜下面，他安心做着鼓手的角色，将演出一丝不苟地完成，哪怕舞台下的观众们一次次的呼喊，期盼他引领起这个舞台的疯狂。也许他认为已经带给了观众此刻想表达的一切，但是台上与台下已完全站在了两条平行线上，不再交集。只能这般相望着，让人唏嘘不已。2008年7月5日，“魔岩三杰”再次聚在一起，携手姜昕一起举行了“树生长的声音”大型演唱会，重现了那个中国摇滚最辉煌的时刻。十四年，这其中的变化太多，但十四年后，无数青年依然期盼着能重温“魔岩三杰”的辉煌。十多年的时间让这个时代变化与进步了许多，但不曾改变的是我们对记忆中美好时刻的幻想。可现实就像一击无法忽视的重拳那样重重地砸在了我们的脸上，让人如梦初醒，原来只有记忆和幻想是最美与最牢固的。在那一天的舞台上，有的只是一个幻想的尾巴罢了，依然是那个人，却不曾再现相似的盛况，窦唯早已经远离了黑梦时期，只剩我们还在痴痴地期盼着。在与媒体的对话中，他已不止一次表达了反感曾经由歌唱带来的辉煌，也不希望有更多的人抓着这一点不肯放弃，否则只会让这种排斥感在他身上体现得更加强烈。如果窦唯选择从“不一定”开始，去营造另一个音乐王国，建立另一座城池，收拢另一杆旗下的城民，我们只能静静地等候了。当窦唯以音乐艺术家的身份涉及电影和舞台音乐剧的领域后，开辟了新的天地，探索的世界愈发广泛。看到窦唯加入张艺谋的舞台剧《印象刘三姐》的编曲组时，电视机前的我激动不已。希望在另一片领域里，窦唯能尽情施展自己的才华。这时，沉默依然在我们心里，只是这味道是甜蜜的！
Amorphis（芬兰死亡金属）中文译名：不定型物，他们在不同时期的音乐风格正如他们的中文译名那样的不定型，从早期的死亡金属，到后来的民谣金属，厄运金属、前卫金属，可谓风格多变，但是名气最大的专辑还属这张“千湖传说”，该专辑旋律非常出色，而且还带有点Doom的色彩。因此，这张作为该乐队的最佳专辑真是毋庸置疑啊！这是一张旋死风格里极具里程碑式的专辑！本人特别喜欢“Thousand Lakes”和“Black Winter Day”这两首，而且专辑的意境和专辑封面的风格非常一致，同样讲述着千湖之国的不朽传说。
